ouverture

Music in and on the air - Clara Rockmore, theremin (Roméo Records)

2012-02-10T21:16:00.000+01:00

Diese CD stellt ein kurioses Musik- instrument vor: Das Theremin, erfunden 1919 von dem russischen Physikprofessor Lew Sergejewitsch Termen, ist das älteste elektroni- sche Musikinstrument überhaupt. Es wird über Bewegungen der Arme und Hände in einem elektri- schen Feld gespielt, wodurch sich Tonhöhe und Lautstärke verän- dern lassen.
Mit seinem ätherischen, körperlos wirkenden Klang - der wohl am ehesten an eine Violine erinnert - wurde das Theremin vor allem in der Filmmusik gern eingesetzt; nachdem das Instrument beinahe in Vergessenheit geraten wäre, erlebt es in jüngster Vergangenheit eine Renaissance. Clara Rockmore (1911 bis 1998) war die wohl bedeutendste Theremin-Virtuosin.

Double Bass goes Beethoven (Solo Musica)

2012-02-10T20:46:00.000+01:00

"1799 spielte Beethoven seine Sonate Opus 5, Nr. 2 in g-Moll selbst am Klavier - zusammen mit dem größten Kontrabassisten jener Zeit, Domenico Dragonetti. Diese Tatsache hat mich schon in meinen Jugendjahren beein- druckt", berichtet Bozo Paradzik in dem mit großer Sorgfalt zusam- mengestellten Beiheft zu dieser CD, "und seither träumte ich davon, auch selbst einmal eine Beetho- ven-Sonate auf dem Kontrabass zu spielen."
Der Kontrabassist, ausgebildet in Sarajevo und Prag, hat nun diesen Kindheitstraum verwirklicht: Mit dieser CD beginnt er eine Gesamt- einspielung der Cello-Sonaten Beethovens auf dem Kontrabass, unter Verwendung eines modernen Konzertflügels. Eigens dafür ließ er sich von Derek High ein Instrument bauen, das ein größeres Klangvolu- men und auch einen wesentlich brillanteren Klang mitbringt als die "normalen" Kontrabässe. Dieses Instrument stimmte er eine Quarte höher als heute im Orchester üblich. Diese scordatura verstärkt ebenfalls die Strahlkraft des Tones.
Das Beiheft macht zudem deutlich, wie wohlüberlegt Paradzik jede einzelne Passage angeht. Allein die Sonaten, die Ludwig van Beetho- ven für das Violoncello schrieb, sind schon auf diesem kleineren Geschwister aus der Reihe der Streichinstrumente eine Herausforde- rung für jeden Solisten. Auf dem Kontrabass wird ihre Interpretation zum Vabanquespiel - und da zeigt sich, dass Paradzik eben doch nicht Dragonetti ist. Nicht alles klingt erfreulich, was hier zu hören ist. Vielleicht war dieses Projekt doch zu amitioniert.

Xuefei Yang - Bach Concertos (EMI Classics)

2012-02-10T15:18:00.000+01:00

"Bach ist einer der größten Kom- ponisten, der je gelebt hat. Seine Musik ist zeitlos", meint Xuefei Yang. "Es ist einfach wunderbar, solch große Musik auf der Gitarre spielen zu können." Weil der Thomaskantor aber nicht für das Instrument komponiert hat, setzt auch sie auf Bearbeitungen - und zwar auf eigene. Die chinesische Gitarristin hat für ihre CD die beiden Violinkonzerte BWV 1041 und 1042 ausgewählt, sowie das Cembalokonzert BWV 1052, und hat daraus Gitarrenkonzerte gemacht, die sie gemeinsam mit dem Elias Streichquartett vorträgt.
"Die Sonaten und Partiten für Solovioline sind gitarristisches Standardrepertoire geworden", begründet Yang ihre Auswahl. "Ich arbeite schon seit einigen Jahren an diesen Werken und mag sie wirklich gern. Deshalb fragte ich mich, ob nicht auch Bachs wunderbare Violinkonzerte auf der Gitarre möglich wären." Die Musikerin stellte fest, dass sich die Violinstimme auf der Gitarre spielen ließ. "Außerdem sah ich, dass Bach die beiden Konzerte selbst für Cembalo bearbeitet hatte. So bekam ich eine gute Vorstellung davon, wie sie auf einem mehrstimmigen Instrument klingen könn- ten, und das prägte meine Transkription." Auch das d-Moll-Cembalo- konzert soll ursprünglich ein Violinkonzert gewesen sein. Es war aber deutlich schwieriger, es für Gitarre zu arrangieren, berichtet Yang, "weil die Musik so intensiv und so sehr aufs Cembalo zugeschnitten ist".

Bei der Arbeit an den Konzert-Arrangements orientierte sie sich an Bachs Bearbeitungspraxis. "Die Werke sollte wie Gitarrenkonzerte klingen", so Yang. "Ich nahm mir also Bachs eigene Cembalo-Ein- richtungen der Violinkonzerte vor, um damit meine Gitarren-Transkriptionen zu beseelen, und orientierte mich am stilistischen Vorbild seiner Lautentranskriptionen." Um den Klang der Gitarre zur Geltung kommen zu lassen, entschied sich die Musikerin zudem für die Begleitung durch ein Streichquartett.

Die drei Konzerte ergänzte Yang durch das erste Präludium BWV 846 aus dem Wohltemperierten Clavier, transponiert von C-Dur nach A-Dur, ansonsten aber textgetreu vorgetragen auf einer siebensaitigen Gitarre von Paul Fischer. Bei den Konzerten spielt die Gitarristin ein klangstarkes Instrument von Greg Smallman, für die Solowerke eine Gitarre mit Fichtendecke aus der Werkstatt von Karl-Heinz Roem- mich mit einem hellen, klaren Klang - was ohne Zweifel insbesondere für die Violinsonate g-Moll BWV 1001 exzellent passt. Sie hat Yang für diese CD ausgewählt, "weil Bach die Fuge dieses Werkes selbst für Laute eingerichtet hat und sie mich als erstes zu den Violinkonzerten führte." Um der Gitarre gerecht zu werden, erklingt die Solosonate allerdings in a-Moll. Und zum Abschluss gönnt sich die Gitarristin das berühmte Air aus der Orchestersuite D-Dur BWV 1068.

Yang beherrscht ihr Instrument grandios gut - doch diese spieltech- nische Stärke verleitet die Gitarristin, mitunter auch zuviel des Guten zu tun. Ihre Arrangements erscheinen romantisch; man meint mitunter, eher Vivaldi zu hören als Bach, und mitunter erscheint mir da die Grenze zum Kitsch überschritten. Wer eine Synthese aus Bach und Flamenco mag, der wird diese CD lieben - mein Geschmack ist sie eher nicht.

Bach: Transcriptions for Guitar (Naxos)

2012-02-09T21:03:00.001+01:00

Wer Bach auf der Gitarre spielen will, der hat ein Problem. Denn der Komponist hat für dieses Instru- ment kein einziges Werk geschrie- ben. Also haben Generationen von Gitarristen seiner Werke für Gitar- re bearbeitet - ein Verfahren, das auch Bach selbst gern und viel ge- nutzt hat, um musikalische Ideen zu transferieren.
Der französische Gitarrist Judicael Perroy, Jahrgang 1973, hat bei Naxos die c-Moll-Partita BWV 826 aus der Clavierübung in einem Arrangement für Gitarre von Tristan Manoukian eingespielt, und die Lautensuite BWV 997 sowie Präludium, Fuge und Allegro BWV 998 in einer Version von Tilman Hoppstock. Das Concerto in D-Dur BWV 972, ursprünglich eine Variante für Cembalo nach einem Violin- konzert Vivaldis aus L'estro armonico, hat Perroy selber für Gitarre arrangiert. Dabei zeigt er enormes Geschick, so dass im Ergebnis tatsächlich ein Gitarrenkonzert vorliegt - und das hat es in sich.
Doch technische Probleme hat der Gitarrist ohnehin nirgends; sein Bach-Spiel ist erfreulich klar strukturiert, stets durchdacht und durchhörbar. Mir hat diese CD daher Hörvergnügen bereitet - und ich bin gespannt auf die folgenden CD des jungen Musikers. Bravo!

Telemann: Germanicus (cpo)

2012-02-08T21:56:00.000+01:00

Musikhistorisch gesehen, ist diese Aufnahme eine Sensation. Denn bislang galten die "etlichen und zwantzig Opern", die Georg Philipp Telemann in seinen Jugendjahren für das Leipziger Opernhaus kom- poniert haben will, als verloren. In jüngster Vergangenheit jedoch ha- ben sich von einigen der 74 Opern, die in der Messestadt an der Pleiße im Zeitraum von der Gründung bis zur Pleite der Oper 1720 aufge- führt worden sind, Fragmente angefunden. Im Falle des Germanicus spürte Michael Maul, wissenschaftlicher Mitarbeiter am Bach-Archiv, in der Frankfurter Universitätsbibliothek 40 Arien auf, die bislang als Werke von Gottfried Grünewald galten - und er konnte nachweisen, dass es sich um jene Version der Telemann-Oper handeln muss, die 1710 zur Michaelismesse erklungen ist. Er fand zudem heraus, dass das Libretto, das vollständig erhalten ist, von der Pfarrersfrau Christine Dorothea Lachs, einer Tochter des Gründers der Leipziger Oper Nikolaus Adam Strungk, stammt, die auch noch weitere Texte für Telemann geschaffen hat. Weil aber die Rezitative, anders als die Arien, nicht zu rekonstruieren waren, ergab sich für die vorliegende Einspielung ein Problem.
Experte Maul hat die Leerstellen mit Sprechertexten gefüllt, die die Handlung zusammenfassen. So wird die Oper wieder aufführbar, quasi als Singspiel. Gotthold Schwarz hat sie mit dem Sächsischen Barock- orchester sowie Olivia Stahn und Elisabeth Scholl, Sopran, Thomaner Friedrich Praetorius, Knabensopran, Matthias Rexroth, Altus, Albrecht Sack, Tenor, und Henryk Böhm und Tobias Berndt, Bass, zu den Telemann-Festspielen 2010 in Magdeburg erstmals wieder zum Klingen gebracht. Im Nachgang ist dann zudem die vorliegende 3-CD-Box entstanden.
Selbst bei diesem Frühwerk, das Telemann als Student geschaffen hat, ist schon erkennbar, wie versiert der Komponist die Klangrede einsetzt, um Personen und Situationen plastisch zu schildern. An einzelnen Teilen wird zudem deutlich, wie sich innerhalb weniger Jahre - die Urfassung entstand 1704, da war Telemann noch Student, die überarbeitete Version hingegen schrieb er 1710 bereits als Kapellmeister in Eisenach - sein musikalisches Ausdrucksvermögen gesteigert hat. Für den Musikhistoriker mag das eine Offenbarung bedeuten. Beim Opernfreund aber dürfte diese Aufnahme in erster Linie Ratlosigkeit hinterlassen. Denn um sie wirklich genießen zu können, reicht die Substanz nicht aus. Und auch die Zwischentexte tragen nach Kräften dazu bei, dass sich Langeweile ausbreitet. Schade.

Prokofiev: Romeo and Juliet (Decca)

2012-02-07T21:55:00.000+01:00

In der Ballett Edition des Labels Decca erschien kürzlich eine Einspielung des Balletts Romeo und Julia von Sergej Prokofjew mit dem Royal Philharmonic Orchestra unter Vladimir Ashkenazy aus dem Jahre 1991. Dabei handelt es sich tatsächlich um eine Gesamtauf- nahme der Ballettmusik - was schon an sich eine ziemliche Rari- tät ist; meistens erscheinen auf CD nur die Suiten oder Kombinationen daraus.
Ashkenazy hat sich bereits als Pianist intensiv mit dem Werk Prokofjews beschäftigt. So hat er alle seine Klavierkonzerte eingespielt, und eine Klaviertranskription von Romeo und Julia. Es war daher nur konsequent, dass er sich dann als Dirigent noch einmal diesem Ballett zugewendet hat. Seine Interpre- tation erweist sich als durchdacht und klar strukturiert; sie ist tänze- risch und farbenreich, kostet aber auch die dramatischen Momente aus. Aus diesem Grunde kann diese Aufnahme hier empfohlen werden.

Weimarer Bläserquintett (Genuin)

2012-02-07T20:44:00.000+01:00

"Ein Konzerterlebnis", nennt sich diese CD im Untertitel - und sie hält, was sie damit verspricht. Als ginge es darum, jeden Zweifel auszuräumen, stellen Tomo Andreas Jäckle, Flöte, Frederike Timmermann, Oboe, Sebastian Lambertz, Klarinette, Stephan Schottstädt, Horn und Jacob Karwath, Fagott, gleich im ersten Stück ihre handwerkliche Brillanz unter Beweis. Die fünf Musiker präsentieren die Ouvertüre zu Mozarts Oper Die Zauberflöte in einer Bearbeitung von Joachim Linckelmann, dass es ein Vergnügen ist, ihnen dabei zuzuhören. Hier wird nicht nur überaus gekonnt, sondern obendrein auch noch mit Humor und mit viel Sinn für Klangfarben musiziert.
Es folgt das Bläserquintett von Pavel Haas (1899 bis 1944) aus dem Jahre 1929, ein von Melancholie überschattetes Werk, das den mährischen Komponisten seinerzeit europaweit bekannt machte. Doch sein Ruhm hat den Schüler von Leos Janácek nicht gerettet; er galt als "Halbjude" und wurde in Auschwitz umgebracht.
Franz Danzi (1763 bis 1826) schuf neun Bläserquintette für die Musi- ker um Antonín Reicha, den Begründer des Genres. Für diese CD hat das Weimarer Ensemble eines davon ausgewählt, das sich als elegante Unterhaltungsmusik erweist. Im Kontrast dazu steht das Bläserquin- tett von Elliot Carter, Jahrgang 1908, das dieser 1948 komponiert hat. Es zeigt die fünf Instrumente als mehr oder minder kapriziöse, manchmal auch geschwätzige Individualisten, die es dennoch letzten Endes schaffen, gemeinsam Kammermusik zu machen. Die CD endet romantisch mit einem Werk des berühmten Flötisten Paul Taffanel (1844 bis 1908).

Handel: The complete Italian cantatas for bass (Accent)

2012-02-06T22:46:00.000+01:00

Während seines zweimonatigen Aufenthaltes in Neapel, wo er die Aufführung einer Festmusik anlässlich einer Fürstenhochzeit vorbereitete, komponierte Georg Friedrich Händel im Sommer 1708 zwei spektakuläre Kantaten für Bass. Möglicherweise sind sie für den Bassisten Domenico Antonio Manna entstanden, der ebenfalls für die Festmusiken engagiert war. Wer auch immer Nell'africane selve und Cuopre tal volta il cielo gesungen hat - es muss ein grandioser Sänger gewesen sein. Denn die technischen Anforderungen, die diese Kabinettstückchen stellen, sind derart extrem, dass sich bis heute kaum ein Sänger an diese Werke heranwagt.
"Die beiden Kantaten sind ein völlig anderes Kaliber als die Basspar- tien, die Händel später in seinen Londoner Opern für so berühmte Sänger wie Boschi oder Montagnana geschrieben hat", stellt Rai- mund Nolte fest. Er muss es wissen, denn er ist der Solist der vorlie- genden Aufnahme. "In beiden Kantaten finden wir (...) den Kontrast zwischen einer recht hoch gelegenen Baritonarie und einer Arie mit absurd großem Umfang und außergewöhnlicher Tiefe. In der ersten Arie von Cuopre tal volta il cielo geht es noch vergleichsweise human zu mit Umfang Fis-fis'. Nur im Accompagnato findet sich ein tiefes D, das ein geübter Sänger des Barock leicht in die Höhe um- legen konnte. Die Schlussarie Per pietà de miei martiri liegt dagegen sehr hoch mit Umfang G-g'", erläutert der Sänger. "Viel drastischer sind die Verhältnisse in Nell'africane selve, wo die zweite Arie Chiedo amore den Umfang A-fis' verlangt, während die erste Arie gewissermaßen 'denVogel abschießt'. Es handelt sich um ein Lamento über das traurige Schicksal eines gefangenen Löwen, der nun nicht mehr der König des Dschungels ist. Mit Tonsprüngen von mehr als zweieinhalb Oktaven vom tiefen Cis bis a' verstrickt sich der Löwe im Netz."
Ob die afrikanische Wildnis oder ein Sturm vor der Küste Neapels - Händel setzt auf Naturbilder, brillant in Tonmalereien umgesetzt, um das Leiden von Liebenden zu schildern. In rasant-verwegenen Triolen- koloraturen und ebenso gewagten Sprüngen quer durch die Register zeigt er das aufgewühlte Meer. Lautmalereien und unge- wöhnliche Akkorde entführen das Publikum in ein hochartifizielles Afrika - die Zuhörer der Barockzeit, die derlei Kunstkniffe zu würdigen wussten, werden begeistert gewesen sein.
Doch selbst die meisten Solisten der Händel-Zeit dürften diese Partien mit ihren mörderischen Anforderungen gemieden haben. Der Maestro selbst schrieb auch in Rom zwei Bass-Kantaten; sie sind ebenfalls hörenswert, doch technisch lang nicht so anspruchsvoll. Bassbariton Raimund Nolte hat sich an alle vier Kantaten gewagt, und sich dabei sehr achtbar geschlagen. Auch die Batzdorfer Hofkapelle musiziert lustvoll, und ergänzt Händels Kantaten noch um zwei hübsche Instrumentalstücke, deren Grundsubstanz möglicherweise ebenfalls aus diesen frühen Jahren stammt.

Verdi: Il Trovatore (Oehms Classics)

2012-02-05T21:50:00.001+01:00

Dieser Troubador ist ein Live-Mitschnitt von den Ludwigsburger Schlossfestspielen aus dem Jahre 2009 - und eine Überraschung. Denn wer bei Verdi verschreckt an zu laute Orchester, knödelnde Te- nöre und die Spitzentöne mühsam emporstemmende Primadonnen denkt, der wird erfreut feststellen, dass die Schwaben offenbar Geschmack haben. Denn sie haben auf diese geradezu klassischen Zutaten der Stadttheater-Verdi-Inszenierung verzichtet.
Allein die Besetzungsliste macht neugierig auf diese Aufnahme. Und in der Tat wird der Opernfreund schnell feststellen, dass dieser Trovatore jenen legendären Einspielungen, die man gemeinhin als Referenzaufnahmen behält, durchaus zur Seite gestellt werden kann. Simone Kermes ist eine atemberaubende Leonora. Sie singt diese Partie mit engelsgleicher Leichtigkeit, da kann nicht einmal die Callas mithalten. Kermes macht allein durch ihren Gesang verständlich, warum diese Hofdame der Prinzessin von Aragón von Männern derart umworben wird - und das Kloster wählt, als sie annehmen muss, dass Manrico, den sie liebt, im Kampf umgekommen ist. Luna vorzuheucheln, dass sie ihm gehören wird, um Manrico die Flucht zu ermöglichen, das ist für diese ätherische Gestalt ein unerhörter Schritt.
Herbert Lippert singt den Manrico mit Strahlkraft und mit einer beeindruckenden Pianokultur, Miljenko Turk seinen Widersacher, den Grafen Luna, geschmeidig und energisch - und so, dass man auch ihm glaubt, dass er verliebt ist. Das hat man so noch nicht gehört. Yvonne Naef als Zigeunerin Azucena und vermeintliche Mutter Manricos ist vielleicht die konventionellste Stimme dieser konzertan- ten Aufführung. Doch auch sie vermag es, die Geheimnisse dieser zutiefst traumatisierten Frau glaubhaft werden zu lassen. Den Ferran- do singt Josef Wagner.
Vergleicht man diese Aufnahme mit der bisher meiner Ansicht nach unerreichten Einspielung mit Joan Sutherland und Marilyn Horne sowie Pavarotti, Wixell und Ghiaurov, und dem National Philhar- monic Orchestra unter Richard Bonynge, so fällt sofort auf, dass die ältere Aufnahme deutlich zäher wirkt - und lauter.
Michael Hofstetter lässt Orchester und Chor der Ludwigsburger Schlossfestspiele zwar energisch, aber dabei schlank und durchhör- bar musizieren. Statt Klangbrei gibt's Klangfarben, sorgfältig heraus- gearbeitet, und Tempi, die verblüffen. Mitunter hat man den Ein- druck, dass die Zeit stillsteht - so am Beginn von Lunas Arie Il balen del suo sorriso - dafür geht es aber ansonsten oft irrwitzig schnell voran.
Hofstetter setzt auf die Phrasierung statt auf einen Handlungsbogen, der in dieser Oper ohnehin nicht so recht funktioniert. Daraus erge- ben sich atemberaubend intensive Momente. So hört man während Azucenas großer Erzählung im Orchester jene Kämpfe wüten, die die Zigeunerin in ihrem Inneren austrägt - und die sie erneut verleugnet, als sie Manrico bestätigt, er sei ihr Sohn.
Hofstetter zeigt Verdi in der Tradition Donizettis und Bellinis. Er verweist auf musikalische Strukturen, und fordert seinen Sängern ein Differenzierungsvermögen ab, mit dem sogenannte "dramatische" Stimmen wahrscheinlich überfordert gewesen wären. Nicht Dynamik entscheidet, meint Hofstetter, sondern sängerische Intelligenz und Geläufigkeit. Das Ergebnis ist grandios - Verdi für das 21. Jahrhun- dert; und davon möchte man noch viel mehr hören.

Platti: Sonatas for harpsichord (Concerto)

2012-02-05T16:18:00.001+01:00

Giovanni Benedetto Platti (1697 bis 1763) stammte aus Padua. Seine musikalische Ausbildung erhielt er in Italien. 1722 trat er als Oboenvirtuose in den Dienst der Fürstbischöfe von Würzburg, wo er auch als Sänger, Gesangslehrer und Violinist wirkte. Einige seiner Wer- ke wurden zu Lebzeiten veröffent- licht, andere sind nur als Hand- schriften überliefert, und von etlichen sind auch nur noch Titel bekannt.
Filippo Emanuele Ravizza hat für Concerto auf vier CD die Cembalo- sonaten Plattis eingespielt. Sie erscheinen hier von 1 bis 18 durch- nummeriert, und folgen weitgehend einer Edition, die Fausto Torrefranco 1963 bei Ricordi unter dem Titel Giovanni Benedetto Platti e la Sonata moderna vorgelegt hat.
Wer es nicht weiß, der wird staunen. Denn diese Cembalosonaten, die geradezu exemplarisch die technischen Möglichkeiten des Instru- ments vorführen und ausreizen, sind in einer Zeit entstanden, da das Hammerklavier schon erfunden war - und Platti war damit auch bestens vertraut. Vielleicht gelingen ihm aber gerade deshalb diese Sonaten, die man sich auf einem Klavier vorgetragen schlicht nicht vorstellen kann. So setzt Platti im Umgang mit dem Cembalo auf die Tatsache, dass es sich dabei um ein Zupfinstrument handelt, und auf die Klangfarben, die sich damit erzielen lassen. Auch spielte er jene Modelle durch, die für die Sonate seinerzeit erprobt wurden, vom strengen Kontrapunkt bis hin zu Strukturen, die man eher von der Frühklassik erwarten würde. Torrefranco ließ sich sogar dazu hinreißen, Plattis musikalische Ausdrucksweise mit dem Ausdruck "rhythmischer Impressionismus" zu preisen.
Wir halten uns mit solchen Zuschreibungen zurück, und erfreuen uns an vier langen CD mit faszinierender, teilweise sogar raffinierter Cembalomusik, ausdrucksstark vorgetragen von einem exzellenten Musiker. Ravizza hat bereits mehrfach Werke vergessener Komponi- sten eingespielt - die Wiederentdeckung Plattis muss man ihm danken, zumal solche Aufnahmen deutlich machen, dass der Weg von Bach zu Haydn keineswegs durch die Genies im Sprung, sondern durch zahlreiche Musiker und in vielen kleinen Schritten absolviert worden ist.

Tchaikovsky: The Nutcracker (Decca)

2012-02-02T21:12:00.000+01:00

Das Label Decca scheint für seine Ballett Edition in den Archiven so manche herausragende Einspie- lung aufgespürt zu haben - so auch diese Aufnahmen aus den Jahren 1989 und 1990 mit dem Royal Philharmonic Orchestra unter Vladimir Ashkenazy.
Der Nußknacker, das getanzte Weihnachtsmärchen an sich, findet man hier trefflich interpretiert; so lebendig und engagiert habe ich Tschaikowskis berühmtes Werk noch nicht gehört. Darüber hinaus hält die CD aber eine Überraschung bereit: Die Jahreszeiten op. 67 von Alexander Glasunow - ebenfalls ein Ballett aus der Petipa-Ära, mit hübschen Naturschilderungen und einem großen Bacchanale im Herbst.

Tchaikovsky: The Sleeping Beauty (Decca)

2012-02-02T20:55:00.000+01:00

Dornröschen gilt vielfach als das gelungenste Ballett aus der Feder Peter Tschaikowskis. Es entstand auf Vorschlag des Leiters der Kaiserlichen Bühnen, der dem Komponisten Perraults Märchen La Belle au bois dormant als Grundlage für ein Ballett empfahl. Choreograph Marius Petipa ent- wickelte daraufhin ein ausführli- ches Szenarium, und Tschaikowski schuf schließlich die Musik dazu.
Sie ist ungemein abwechslungs- und farbenreich; lyrische Passagen stehen neben dramatischen Szenen wie dem Auftritt der bösen Fee Carabosse, die in ihrem von Ratten gezogenen Wagen vorfährt. Diese effektvollen Kontraste bringt in der vorliegenden Aufnahme Antal Dorati mit dem Royal Concertgebouw Orchestra sehr schön zur Geltung. Der Dirigent, der für seine Tschaikowski-Interpretationen zu Recht weithin geschätzt wird, lässt präzise musizieren, und zwar theatralisch, aber nicht überzuckert. Das macht diese Doppel-CD aus der Decca-Reihe Ballett Edition zur Referenzaufnahme, die man nur empfehlen kann.

Boccherini: Divertimenti op. 16 (Accent)

2012-01-30T21:22:00.000+01:00

Wenn man diese wundervolle Musik hört, dann staunt man sehr darüber, dass es Musikwissen- schaftler gegeben hat, die die Komponisten in große Meister und den großen, aber nicht weiter inte- ressierenden Rest unterteilt haben. Zwar begeistern sich von jeher die Cellisten für das Werk Luigi Boccherinis (1743 bis 1805). Doch dem Reinheitsgebot der Wiener Klassik, das die Sonatenhauptsatz- form und die Arbeit am Thema forderte, konnte der Kammervirtuose Ihrer Königlichen Hoheit Don Luis Infante von Spanien offenbar eher wenig abgewinnen.
Mich beeindruckt Boccherini inbesondere wegen seines verschwen- derischen Umganges mit musikalischen Ideen und wegen seines unnachahmlichen Gespürs für das Timbre. An den Divertimenti auf dieser CD lässt sich dies exemplarisch nachvollziehen - und auch die Musiker des Ensembles Piccolo Concerto Wien um Roberto Sensi haben daran hörbar ihr Vergnügen. Marcello Gatti, Traversflöte, Jenping Chien und Johanna Gamerith, Violine, Gerswind Olthoff, Viola, Stefano Veggetti und Franziska Romaner, Violoncello und Roberto Sensi am Kontrabass setzen diese musikalischen Juwelen ins rechte Licht und lassen sie strahlen und funkeln. Bravi!

Václav Talich - Live 1939 (Supraphon)

2012-01-29T18:00:00.001+01:00

Das Musik zum Politikum werden kann, zeigt exemplarisch diese CD mit Aufnahmen des berühmten tschechischen Dirigenten Václav Talich (1883 bis 1961). Sie ent- standen im Juni 1939 und umfas- sen den sinfonischen Zyklus Má vlast von Bedrich Smetana sowie die zweite Reihe der Slawischen Tänze von Antonín Dvorák.
Dass sie überliefert worden, ver- danken wir einer Kette von Zu- fällen. Denn es war der Norwegi- sche Rundfunk, der die beiden Konzerte aufgezeichnet hat. Sie wurden auf Philips-Miller-Film auf- genommen - eine sehr teure, aber aufgrund der erzielbaren Klang- qualität attraktive Alternative zu den damals üblichen Acetatplatten, die lediglich über drei Minuten Spielzeit verfügten.
Ein Teil der Aufnahmen in dieser Technologie wurde später auf Magnetband überspielt. Die meisten Filme aber wurden vernichtet. Man darf sich freuen, dass ausgerechnet dieser Mitschnitt auf dem Philimil-Film im Archiv erhalten geblieben ist. Er wurde nun im Auftrag des Labels Supraphon remastert - und begeistert gleich aus mehreren Gründen.
Da wäre zum einen die faszinierende Interpretation des Smetana-Zyklus Mein Vaterland, die in der Tat eine der besten Aufnahmen dieses Werkes ist, die ich je gehört habe. Zum anderen aber über- rascht die enorme Begeisterung des Publikums, das nach jedem Teil in Ovationen ausbricht - und nach dem letzten Stück, Blaník, spontan die Nationalhymne anstimmt.
Verständlich wird diese Euphorie, wenn man sich bewusst macht, dass die Tschechoslowakei seit dem 15. März 1939 besetzt war - und man staunt, dass es Talich trotzdem gelungen ist, in diesem Jahr den ersten Jahrgang des Festivals "Prager musikalischer Mai" zu starten. Es war so erfolgreich, dass einige Konzerte wiederholt werden mussten. Dass die Behörden im Protektorat Böhmen und Mähren dieses Festival durchaus kritisch sahen, zeigt sich unter anderem daran, dass im darauffolgenden Jahr Tábor und Blaník nicht mehr gespielt werden durften. Denn beide Werke appellieren an den tschechischen Patriotismus - und eine solche Demonstration war bei den deutschen Besatzern ganz sicher nicht erwünscht.
Kurioserweise wurde Talich 1945 der Kollaboration beschuldigt, sieben lange Wochen sogar inhaftiert, und in den nachfolgenden Jahren permanent schikaniert. Es wird vermutet, dass dies in erster Linie an seinem Engagement für das Werk Josef Suks gelegen haben könnte. Dieser war mit Otilie verheiratet, der Tochter Dvoráks - um die junge Frau hatte einst aber auch ein gewisser Zdenek Nejedlý geworben. Der Musikwissenschaftler wurde 1945 Minister für Schul- wesen, Wissenschaft und Kunst. Er stammte aus Litomysl, dem Geburtsort Smetanas, und hatte offenbar eine Abneigung gegen Janácek, Dvorák - und ganz besonders gegen dessen Schüler Suk. Kaum zu glauben, aber im real existierenden Sozialismus konnte das tatsächlich ein Grund sein, Karriere und Gesundheit eines zuvor europaweit erfolgreichen Dirigenten zu ruinieren.

Liebesfreud & Liebesleid - Encores für the cello (Hänssler)

2012-01-29T17:14:00.001+01:00

"Diese CD entstand, um endlich meine beliebtesten Zugabenstücke aufzunehmen", berichtet Michael Hell, Konzertmeister der Violon- celli bei den Münchner Philharmo- nikern, aber auch ein engagierter Solist, Kammermusiker und Musik- pädagoge. "Oft haben mich Freun- de und Bekannte darum gebeten - diesen Wunsch komme ich nun mit großem Vergnügen nach." Am Klavier begleitet den Cellisten Micaela Gelius.
Wer also eine Aufnahme von Sara- sates Zigeunerweisen, Kreislers Liebesfreud und Liebesleid oder der Meditation aus Thais von Massenet und vielen anderen Schmankerln aus dem Repertoire auf CD sucht - hier ist sie, und sie ist wirklich anhörenswert. Meine Empfehlung!

Bach: Sei Suonate à Violino solo & Cembalo concertato (Flora)

2012-01-26T21:27:00.000+01:00

Diese Aufnahme stellt die Sonaten für Violine und Cembalo
BWV 1014 - 1019 sowie die Sonate in G-Dur für Violine und Basso continuo BWV 1021 von Johann Sebastian Bach derart unspektaku- lär und uneitel vor, dass dies schon wieder spektakulär wirkt.
Francois Fernandez musiziert auf einer Violine von Andrea Guarneri aus dem Jahre 1670, Benjamin Alard auf einem Cembalo von Anthony Sidey nach einem Instru- ment aus der Silbermann-Schule. Im Continuo lässt sich zudem Philippe Pierlot auf einer Viola da gamba von Thomas Allred aus dem Jahre 1625 hören. Eine sehr harmonische Einspielung, klangschön und so "rund", dass man sich trotz der zeitgenössischen Instrumente an romantische Aufführungstraditionen erinnert glaubt. So schließt sich also der Kreis - und in diesem Falle ist dieses Urteil tatsächlich ein Kompliment. Ausnahmsweise.

Czerny: Piano Sonatas; Jones (Nimbus Records)

2012-01-26T20:57:00.000+01:00

Carl Czerny (1791 bis 1857) war der Sohn eines tschechischen Oboisten, Organisten, Sängers und Klavierlehrers. Er wuchs in Wien auf, und sein Vater begann, ihn im Klavierspiel zu unterrichten, als er drei Jahre alt war. Mit sieben Jah- ren begann Carl, zu komponieren, und obendrein spielte er ziemlich gut Geige. Das führte dazu, dass sein Geigenlehrer Wenzel Krump- holz das Wunderkind schließlich Beethoven vorstellte - der den Zehnjährigen als Schüler annahm.
Bei der Uraufführung von Beethovens fünftem Klavierkonzert 1811 in Leipzig spielte Carl Czerny den Solopart. Er komplettierte seine Aus- bildung bei Muzio Clementi, Johann Nepomuk Hummel und Antonio Salieri. Dennoch begeisterte er sich weniger für das Konzertpodium als vielmehr für das Unterrichten. Zu seinen Schülern gehörte beispielsweise Franz Liszt, der Czerny später die Etudes d'exécution transcendante widmete.
Obwohl Carl Czerny mehr als tausend Werke komponierte, sind vor allem seine Etüdensammlungen bis heute populär geblieben. Mit einer Gesamteinspielung der Klaviersonaten des Komponisten macht der britische Pianist Martin Jones deutlich, dass dies ein Verlust ist. Denn klar strukturiert vorgetragen, erweisen sich Czernys Klavier- werke als wirkungsvolle, ziemlich beeindruckende Stücke - originell, immer wieder überraschend, und mitunter sogar brillant. Dabei er- scheint Czerny keineswegs, wie von einigen Musikhistorikern behaup- tet, als Beethoven-Epigone. Oftmals wartet er mit musikalischen Ideen auf, die man eher von den Romantikern erwarten würde. Jones zeigt, dass Czernys Werke interessant sind, und dass sich die Beschäf- tigung damit durchaus lohnt. Eine Entdeckung, die Lust darauf macht, auch Werke von anderen Komponisten kennenzulernen, die im Schatten Beethovens aus dem Blick entschwunden und schließlich in Vergessenheit geraten sind.

18. Festliche Operngala für die Deutsche Aids-Stiftung (Naxos)

2012-01-26T16:44:00.001+01:00

Ein Fest herrlicher Stimmen - das war erneut die Operngala, die im vergangenen Jahr zum achtzehn- ten Mal Spenden für die Deutsche Aids-Stiftung gesammelt hat. Vivica Genaux, Simone Kermes, Kristin Lewis, Adrianne Pieczonka, Anna Smirnova, Francesco Demu- ro, Alex Esposito, Teodor Ilincai, Dalibor Jenis und Antonio Poli sangen Arien, die jedem Opern- freund vertraut sind. Auch ein Duett erklingt - das Blumenduett aus Lakme von Léo Delibes, gesungen von Simone Kermes und Vivica Genaux. So bezaubernd, ja geradezu deliziös habe ich diesen Uralthit noch nie gehört. Und natürlich sind die beiden Sängerinnen auch solo noch einmal zu erleben - da warten echte Überraschungen, soviel sei verraten. Das Orchester der Deutschen Oper Berlin musizierte präzise unter Generalmusikdirektor Donald Runniges, und auch der Chor der Deutschen Oper Berlin, geleitet von William Spaulding, ließ sich eindrucksvoll hören.
Durch die Gala führte mit frechen, aber sehr treffenden Kommentaren zur Handlung der jeweiligen Oper Max Raabe. Er erinnerte zudem liebevoll an seinen Vorgänger Vicco von Bülow, besser bekannt als Loriot, der diese Operngala viele Jahre lang moderiert hat, und ihr bis zu seinem Tod im August 2011 eng verbunden blieb.
Das große Engagement aller Beteiligten für diese Operngala ist noch beim Anhören der Aufzeichnung nachvollziehbar; hier wird eine Atmosphäre spürbar, die beeindruckt und begeistert. Das zeigt sich auch in Details wie dem ausgesprochen liebevoll gestalteten dicken Beiheft zu dem Mitschnitt dieses rundum gelungenen Abends, den Naxos kürzlich auf zwei CD vorgelegt hat. Wer diese Aufnahme erwirbt, der kann sich nicht nur an wundervoller Musik erfreuen, er unterstützt damit auch die Deutsche Aids-Stiftung. So tut man zugleich sich und anderen etwas Gutes. Und daher: Gleich doppelt meine Empfehlung!

William Primrose - Recital (Naxos)

2012-01-22T17:41:00.002+01:00

Dass man auf der Viola durchaus auch die Bravourstücke spielen kann, die Geiger gern vortragen, zeigt die Serie "Great Violists" aus dem Hause Naxos mit Aufnahmen, die William Primrose (1904 bis 1982) eingespielt hat. Er gilt als der erste moderne Violist, und als einer jener Pioniere, die die Bratsche als Soloinstrument etabliert haben.
Primrose war der Sohn eines Geigers aus Glasgow. Er begann als Vierjähriger mit dem Violinunter- richt bei Camillo Ritter, einem Schüler Joachims. Mit 15 Jahren wechselte er nach London auf die Guildhall School of Music, wo er bei Max Mossel studierte, und 1924 für sein Examen eine Goldmedaille erhielt. Um weiter zu lernen, ging Primrose zu Eugène Ysaye - der den jungen Musiker ermutigte, sich der Viola zuzuwenden. 1928 spielte Primrose beim Mozartfestival in Paris dann gemeinsam mit Lionel Tertis die Sinfonia concertante - und war fasziniert von dem kraft- vollen, warmen Ton des Kollegen. Dieses Konzert dürfte wohl das Schlüsselerlebnis gewesen sein, dass Primrose endgültig zum Wechsel veranlasste.
Primrose spielte einige Zeit auch im Orchester, doch in erster Linie musizierte er solistisch und widmete sich der Kammermusik. Auch unterrichtet hat Primrose viel; er wirkte an diversen Universitäten in den USA und Japan, und begeisterte den Nachwuchs in zahlreichen Meisterklassen.
Bei Naxos sind nun die ersten beide CD mit Aufnahmen des großen Bratschisten erschienen. Vol. 1 umfasst Einspielungen aus den Jahren 1927 bis 1947, Vol. 2 aus den Jahren 1934 bis 1952. Dabei staunt man, wie enorm facettenreich das Repertoire des Musikers war - es reichte von Bach und Händel über Paganini, Kreisler und Dvorák bis hin zu Camille Saint-Saens berühmtem Schwan oder zu Werken, die seine Freunde Arthur Benjamin, Boris Myronoff und Roy Harris speziell für ihn geschrieben haben.
Primroses Technik war ebenfalls erstaunlich. Vom großzügigen Vibrato oder den nicht immer sauberen Lagenwechseln eines Fritz Kreisler ist hier nichts mehr zu hören; dennoch hat das Spiel des Bratschisten noch etwas von jenem persönlichen Ausdruck und jener enormen Ausstrahlung, die man an den alten Aufnahmen so schätzt. Auf die nachfolgenden CD darf man daher gespannt bleiben.

Schütz: Musikalische Exequien (Carus)

2012-01-22T15:57:00.000+01:00

Trauermusiken von Heinrich Schütz hat Hans-Christoph Rade- macher für CD 3 der Schütz-Ge- samteinspielung mit dem Dresdner Kammerchor zusammengestellt. Dabei wird das exzellente Dresdner Ensemble zusätzlich durch junge Solisten unterstützt, die dennoch durchweg sehr viel Erfahrung im Bereich der "Alten" Musik mit- bringen: Dorothee Mields, Anja Zügner, Alexander Schneider, Jan Kobow, Tobias Mäthger, Harry van der Kamp und Matthias Lutze singen Soli mit Strahlkraft, fügen sich aber ebenso selbstverständlich ins Ensemble ein. Der Dresdner Kammerchor musiziert erneut auf höchstem Niveau; an Violone und Orgel lassen sich Matthias Müller und Ludger Rémy hören. So gelingt Rademann eine Hochglanz-Auf- nahme, die in ihrer Perfektion schon fast wieder ein bisschen langwei- lig ist. Spannend ist allerdings das Repertoire - man staunt, doch diese CD enthält vier Weltersteinspielungen. Ganz offensichtlich gibt es in Schütz' Werk noch immer einige Perlen zu entdecken, die bei aller Schütz-Renaissance bislang nicht die verdiente Aufmerksamkeit be- kommen haben.

300 Jahre Friedrich der Grosse (Deutsche Grammophon)

2012-01-22T09:21:00.000+01:00

Auch die Deutsche Grammophon sieht den runden Geburtstag des Preußenkönigs als Gelegenheit für eine Jubiläums-CD. Das Label hat ins Archiv geschaut - und dort verschiedenes gefunden, das sich unter dem Motto "Seine schönsten Konzerte und Sonaten" verkaufen lässt. Beim Zusammenbauen ist dann offensichtlich die Reihenfolge durcheinandergeraten, nun ja, passiert, wenn es schnell gehen soll. Auch das beigefügte Falt- blättchen freilich ist nicht dazu angetan, den Eindruck der Lieblosigkeit zu korrigieren. Schade.

Eberl: Grand Sextetto (Ramée)

2012-01-16T11:34:00.000+01:00

Anton Franz Joseph Eberl (1765 bis 1807) war der Sohn eines Wiener Beamten. Und obwohl seinen Eltern durchaus aufgefallen war, dass er bereits im Kindesalter mehr als nur passabel Klavier spielte, sollte er Jura studieren. Damit war freilich Schluss, als sein Vater in wirtschaftliche Bedrängnis geriet; nun konnte der Sohn sich der Musik zuwenden.
Zunächst verlegte sich Anton Eberl auf Opern, doch Erfolge konnte er damit wohl nicht feiern. So sind von diesen Werken heute nur noch die Titel überliefert. Bekannt aber wurde der Musiker als Komponist von Instrumentalmusik. Diese CD beginnt mit dem Trio op. 8 Nr. 2 aus dem Jahre 1798. Alida Schat, Violine, sowie Thomas Pitt, Violon- cello und Anneke Veenhoff, Fortepiano, machen deutlich, warum Eberls Werke zunächst häufig für Kompositionen seines neun Jahre älteren Kollegen Wolfgang Amadeus Mozart gehalten wurden. Denn dieses Trio ist von bezaubernder Leichtigkeit und Eleganz, und wartet mit schönen Melodien und gewissen harmonischen Wendungen auf, die durchaus von dem berühmten Kollegen stammen könnten.
1796 ging Eberl nach St. Petersburg. Dort wirkte er am Zarenhof, un- ter anderem als Musiklehrer der Zarenkinder. Er verkehrte aber auch als Virtuose in den Salons der russischen Aristokratie, und dirigierte - 1801 beispielsweise Haydns Schöpfung. Am Zarenhof aber wurden nicht Flügel aus Wien gespielt, sondern Klaviere aus England. Sie hatten einen größeren Tonumfang, eine andere Mechanik und einen etwas handfesteren Klang; Eberl stellte sich darauf ein, und entwickel- te seine musikalische Sprache dementsprechend weiter.
1802 kehrte der Musiker nach Wien zurück. Dort war er mit seinen Ideen und Erfahrungen hochwillkommen. Eberl bewegte sich durch- aus innerhalb der Konventionen der Klassik - was seinerzeit Kritiker veranlasste, ihn Beethoven als Vorbild zu empfehlen. Dennoch findet man bei ihm gelegentlich Formen und Klänge, die man eher von einem Franz Liszt erwarten würde. Das zeigt sich beispielsweise bei dem Potpourri en Trio op. 44 aus dem Jahre 1803, das dem Solisten am Klavier alle Möglichkeiten einräumt, zu brillieren. Und das Grand Sextetto in Es-Dur op. 47 aus dem Jahre 1800 schrieb Eberl für Klavier, das durch Violine, Viola, Violoncello, Klarinette und Horn begleitet wird. Warum er diese kuriose Besetzung wählte, wissen wir nicht - aber das Werk beeindruckt durch spannende Wendungen, Kontraste und interessante Kombinationen von Klangfarben. Musiziert wird auf historischen Instrumenten, so dass der ursprüng- liche Klang nachvollziehbar wird.
Nicole van Bruggen, Klarinette, Thomas Pitt und Anneke Veenhoff - das Trio Van Hengel - spielen gemeinsam mit Alida Schat, Vappu Helasvuo, Viola, und Bart Aerbeydt, Horn. Da nicht bekannt ist, auf welchem Instrument Eberl einst gespielt hat, hat das Trio Van Hengel ein frisch restauriertes Wiener Pianoforte von Mathias Müller aus dem Jahre 1810 eingesetzt. Es verfügt bereits über sechs Oktaven Tonumfang, und über einen sehr wandlungsfähigen Klang. So kann es leicht und elegant klingen, aber auch kraftvoll und durchsetzungs- fähig, ja sogar ein bisschen sanglich und geheimnisvoll - und es erlaubt dem Pianisten das brillante Spiel, das insbesondere das Pot- pourri fordert.
So wird diese CD zu einer musikhistorischen Entdeckungsreise - und von Eberl möchte man noch wesentlich mehr hören. Wie kann es sein, dass ein derart origineller Musiker im Schatten Mozarts, Haydns und Beethovens schier verschwindet?

Weckmann: Abendmusiken (Zig-Zag Territoires)

2012-01-15T17:15:00.000+01:00

Matthias Weckmann (1616 bis 1674) war einer der wenigen Schüler von Heinrich Schütz. Der Sohn eines Pfarrers aus dem Dörf- chen Niederdorla bei Mühlhausen in Thüringen war zunächst Kapell- knabe am Dresdner Hof, und wurde auch im Orgelspiel unterwiesen. 1633 schickte der Kurfürst den jungen Musiker mit einem Stipen- dium nach Hamburg, damit er dort bei Jacob Praetorius seine Ausbil- dung fortsetzen kann. 1637 kehrte Weckmann nach Dresden zurück, und wurde Organist der kurfürstli- chen Hofkapelle.
Doch seine Kontakte nach Hamburg blieben lebendig. Immer wieder reiste er nach Norddeutschland, und er hielt sich auch mehrfach am Hof Christians IV. in Kopenhagen auf.
1655 setzte sich Weckmann in einem Vorspiel durch, und erhielt die Stelle des Organisten an der Jacobikirche in Hamburg. 1660 gründete er zudem das Collegium musicum, und prägte somit das Musikleben in der Hansestadt auf Jahre. Die Abendmusiken aber, auf die der Titel dieser CD anspielt, waren eine Tradition aus Lübeck, begründet durch den Organisten Franz Tunder (1617 bis 1667), den Amtsvorgänger und Schwiegervater Dieterich Buxtehudes. Weckmann war damit ganz sicher vertraut, denn er heiratete in Lübeck, und Tunder war sein Trauzeuge.
Die drei Vokalwerke, die das Ensemble Les Cyclopes für diese CD ausgewählt hat, entstanden durchweg im Pestjahr 1663. Es wird nicht verwundern, dass es sich dabei in erster Linie um ergreifende Klage- gesänge handelt. Eugénie Warnier, Damien Guillon, Robert Getchell und Benoit Arnould singen sie mit Hingabe. Ergänzt werden diese drei Vokalwerke durch die Sonaten à 4 Nummer 2 und 9, die Partita d-Moll für Cembalo und die virtuose Choralfantasie Komm, heiliger Geist, interpretiert von Thierry Maeder an der Orgel der Ludgeri- kirche im ostfriesischen Norden, erbaut und ergänzt von Arp Schnitger 1686/88 und 1691/92 - nach ihrer Restaurierung durch Jürgen Ahrend in den 80er Jahren wieder ein wundervolles Instru- ment mit einem traumhaften Klang.

Musik am Preußischen Hof (Berlin Classics)

2012-01-14T16:31:00.001+01:00

Ein ganz besonderes Präsent hat Berlin Classics zum 300. Geburts- tag Friedrichs II. von Preußen (1712 bis 1786) zusammengestellt: Eine Fünf-CD-Box mit Musik am Preußischen Hof, aus den reichen Archivbeständen des Labels.

Aus dem Jahre 1982 stammt eine Einspielung mit dem Kammer- orchester des Berliner Sinfonie-Orchesters unter Hans-Peter Frank und Werken Berliner Komponisten des 18. Jahrhunderts. Sie enthält die Sinfonia Nr. 3 C-Dur von Carl Philipp Emanuel Bach, ein schönes Harfenkonzert von Ernst Eichner, und das Flötenkonzert Nr. 4 aus der Feder des preußischen Königs.
Das Kammerorchester "Carl Philipp Emanuel Bach" unter Hartmut Haenchen hat 1985 fünf der neun Sinfonien seines Namenspatrons eingespielt, die in Berlin entstanden sind. Sie sind abwechslungsreich, und werden durch die Musiker historisch informiert, aber auf moder- nen Instrumenten mit Esprit vorgetragen.
Ein musikalisches Ereignis war seinerzeit die CD mit Jochen Kowalski sowie dem Kammerorchester Berlin unter Max Pommer und Arien aus der Berliner Operngeschichte - von Hasse, Graun, Bononcini, aber natürlich auch von Friedrich selbst. Es war das Debüt-Album des Countertenors, der in den 80er und 90er Jahren weltweit erfolgreich war, vor allem in den Händel-Inszenierungen Harry Kupfers.
Ersteinspielungen nach unveröffentlichten Handschriften der Deut- schen Staatsbibliothek Berlin präsentierte die CD Musik am Berliner Hof, eingespielt 1991 auf historischen Instrumenten von der Akade- mie für Alte Musik Berlin. Hier ist beispielsweise Ernst-Burghard Hilse, Traversflöte, mit Quantz' Flötenkonzert Pour Potsdam zu hören. Ein Erlebnis ist auch das Zusammenspiel von Christine Schornsheim und Raphael Alpermann, Cembalo, im Konzert F-Dur für zwei Cembali, zwei Hörner, Streicher und Basso continuo Wq 46 von Carl Philipp Emanuel Bach. Die CD enthält zudem Werke von Christoph Nichelmann, Johann Kirnberger und Christoph Schaffrath.
Ebenfalls 1991 aufgenommen wurde die CD Konzert am Preußischen Hof mit Werken von Johann Gottlieb und Carl Heinrich Graun, Georg Benda und Carl Philipp Emanuel Bach. Hier ist erneut das Kammer- orchester "Carl Philipp Emanuel Bach" unter Hartmut Haenchen zu hören. Insgesamt geben diese fünf CD einen ersten Einblick in die musikalische Welt, in der sich Friedrich der Große bewegte. Und die Aufnahmen sind von einer Qualität, die so manches, was später er- schienen ist, ganz klar in den Schatten stellt.

Karl Nyhlin - Kellner & Weiss - Works for Lute (dB)

2012-01-12T20:11:00.001+01:00

David Kellner (1670 bis 1748) stammt aus dem Dorf Liebert- wolkwitz bei Leipzig. Ebenso wie seine Brüder zog es den Sohn eines Lehrers in den Norden; er studier- te in Turku, was damals zu Schwe- den gehörte, und in Dorpat, wo er sich dann als Advocatus nieder- ließ. Er bewarb sich mehrfach erfolglos um Organistenstellen. Als 1700 der Große Nordische Krieg ausbrach, wurde er zum Militär eingezogen. Erst 1730 wurde er im Range eines Hauptmanns entlas- sen; doch bereits seit 1711 wirkte er als Glockenspieler und Organist in Stockholm.
Kellner veröffentlichte 1747 in Hamburg die Sammlung XVI. Auser- lesene Lauten-Stücke, bestehend in Phantasien, Chaconnen, Ron- deau, Giga, Pastorel, Passe pied, Campanelle, Sarabande, Aria & Gavotte. Der Band hat 48 Seiten und enthält 17 Stücke für elfchörige Laute, notiert in französischer Tabulatur.
Zur damaligen Zeit war allerdings bereits die 13chörige Laute im Gebrauch, und die letzten verbliebenen Lautenisten folgten eher dem galanten Stil. So dürften die hübschen Werke, die der schwedische Lautenist Karl Nyhlin auf dieser CD mustergültig vorstellt, wenig Beachtung gefunden haben.
Nyhlin kombiniert zehn Stücke aus Kellners Sammlung mit der Sonata in g-Moll und einem Capriccio in D-Dur von Silvius Leopold Weiss (1686 bis 1750). Der war ein berühmter Virtuose, und ab 1718 am Dresdner Hof als Kammerlautenist angestellt. Er gehörte dort zu den bestbezahlen Musikern. Der Zufall wollte es, dass Kellners Stieftochter, die Sängerin Regina Gertrud Schwartz, in Hamburg Johann Ulrich von König heiratete, den späteren sächsischen Hofdichter, mit dem sie nach Dresden ging. Sie schickte Kellner nicht nur Briefe, sondern auch Noten und Bücher. So dürfte zumindest der Organist in Stockholm, der offenbar auch gern und versiert Laute spielte, die Werke seines Dresdner Kollegen gekannt haben.

Bach & Sons: Piano Concertos; Knauer (Berlin Classics)

2012-01-08T23:00:00.000+01:00

"Joh. Seb. Bachs Art das Clavier zu behandeln, ist von jedem, der das Glück gehabt hat, ihn zu hören, bewundert, und von allen, die selbst Ansprüche machen konn- ten, für gute Spieler gehalten zu werden, beneidet worden", be- richtet sein Biograph Johann Nikolaus Forkel. Im Falle von Bach senior sind damit vor allem Cem- balo und Clavichord gemeint; doch auch den Hammerflügel lernte der Musiker in seinen letzten Lebens- jahren noch kennen und schätzen.
Bach gehörte zudem zu den ersten Komponisten überhaupt, die das Cembalo in Konzerten als Solo-Instrument einsetzten. So adaptierte er zahlreiche Werke, die er ursprünglich für gänzlich andere Instru- mente geschrieben hatte, für das Cembalo, um sie mit dem Collegium musicum im Zimmermannischen Kaffeehaus aufzuführen. Es klingt ungewohnt, wenn der Hamburger Pianist Sebastian Knauer sie nun auf einem modernen Steinway vorträgt, und Puristen mögen sich darüber ärgern.
Aber Bach selber hätte es wohl ebenso gemacht. Die Frage also, ob es zulässig ist, Bach auch im Zeitalter des historisch korrekten Musi- zierens auf modernen Instrumenten zu spielen, stellt sich nicht. Ob Knauer aber eine spannende neue Sichtweise auf Bachs Werk gelingt, das ist die interessante Frage.
Der Pianist beantwortet sie, indem er auf Traditionen verweist - nicht zuletzt auf die seiner eigenen Familie. Dass er nebenher Bach nebst seinen Söhnen zu Quasi-Hamburgern erklärt, lässt schmunzeln. Er stellt zwei "Klavierkonzerte" des Thomaskantors neben Werke seiner Söhne Carl Philipp Emanuel Bach (1714 bis 1788) und Johann Christian Bach (1735 bis 1782). So macht der Pianist Entwicklung hörbar - vom Barock über den eher galanten Stil von Carl Philipp Emanuel Bach bis hin zum Werk seines Bruders und Schülers Johann Christian Bach, das schon deutlich auf die Frühklassik verweist.
Mit der strengen Form Johann Sebastian Bachs weiß Knauer jedoch eher wenig anzufangen. Er spielt brillant, stets durchsichtig und mit weichem, aber perlendem Ton. Doch man hat ein bisschen den Ein- druck, Examensstücke zu hören statt Musik, der sich der Interpret mit Leidenschaft und Verstand verschrieben hat. Diese Distanz ist auch beim Zürcher Kammerorchester festzustellen, das hier seine erste Aufnahme unter seinem neuen Chefdirigenten Sir Roger Norrington eingespielt hat. Sie schwindet erst bei den eher drama- tischen als mathematischen Werken der beiden Bach-Söhne; das Konzert von Johann Christian Bach scheint auch dem Solisten am meisten zu liegen. Hier beginnt der Flügel auf einmal zu singen, und die Kadenzen gefallen mir hier am besten.

Meyerbeer: Il crociato in Egitto (Naxos)

2012-01-07T19:23:00.000+01:00

Giacomo Meyerbeer, eigentlich Jakob Liebmann Meyer Beer (1791 bis 1864), war einer der bedeu- tendsten Opernkomponisten des 19. Jahrhunderts. Zu seinen Lehrern gehörten unter anderem Carl Friedrich Zelter, Abbé Vogler und Antonio Salieri. Letzterer riet ihm, nach Italien zu gehen. Dort schrieb Meyerbeer eine ganze Reihe Opern, doch der Durchbruch gelang ihm erst in Paris, wo er gemeinsam mit dem Dramatiker Eugène Scribe die Opern Robert
le Diable, Les Huguenots, Le prophète und L'Africaine schuf. Kein Zweifel: Die Grand opéra lag ihm.

Doch auch der Stil Rossinis war Meyerbeer nicht fremd, wie die letzte in Italien entstandene Oper zeigt. Il crociato in Egitto, nach einem Libretto von Gaetano Rossi, wurde 1824 im Teatro La Fenice in Vene- dig uraufgeführt. Von dort stammt auch die Einspielung aus dem Jahre 2007, die das Label Naxos nun auf drei CD vorlegt.

Die Handlung ist nicht unbedingt das, was man sich für vier lange Stunden wünscht. Held dieser Oper ist der Kreuzritter Armando d'Orville, der unter falschem Namen am Hofe von Sultan Saladin lebt - und dessen Tochter Palmide, die heimlich zum Christentum konver- tiert ist, ebenso heimlich geheiratet hat. Doch da naht schon das Unheil in Gestalt von Armandos früherer Verlobter Felicia, die sich als Mann verkleidet hat und gemeinsam mit Armandos Onkel Adriano di Monfort in Ägypten eintrifft. Daraus entstehen böse Verwicklun- gen, die Anlass zu vielen, teilweise ziemlich virtuosen Arien geben - und angesichts der herrlichen Musik verzeiht man gerne sämtliche Schwächen dieser Geschichte.

Das liegt nicht zuletzt an Patrizia Ciofi, die die schwierige Partie der Palmide perfekt gestaltet. Sie ist ohne Zweifel der Star des Ensembles, das jedoch auch sonst nicht schlecht besetzt ist. Sehr hörenswert sind beispielsweise die beiden Mezzosopranistinnen Silvia Pasini und Laura Polverelli als Alma und Felicia, sowie Marco Vinco als Aladino und Iorio Zennaro als Osmino. Die Besetzung der Rolle des Armando d'Orville hingegen ist Geschmackssache. Sie wurde seinerzeit für einen Kastraten geschrieben; der amerikanische Sopranist Michael Maniaci verfügt zwar über ein beträchtliches Stimmvolumen, aber für diese Partie würde man sich doch etwas mehr virtuose Stimmführung und Delikatesse in der Gestaltung wünschen.

Colours of the French Horn (Oehms Classics)

2012-01-07T18:28:00.000+01:00

Auch wenn das wenig bekannt ist - doch das Horn gehörte offenbar zu den Lieblingsinstrumenten vieler Komponisten. Szabolcs Zempléni, Solo-Hornist bei den Bamberger Symphonikern und Professor an der Musikhochschule Trossingen, und Pianist Péter Nagy haben auf dieser CD einige Beispiele für Huldigungen an den klingenden Mythos versammelt.
Der Hörnerklang wird heute nicht mehr die Mauern von Jericho zum Einsturz bringen. Auch hat die Erfindung des Ventilhorns das Ausdrucksvermögen des Instrumentes gewaltig erweitert. Eine der ersten, der Kammermusik für den einsti- gen Signalgeber schrieb, war Robert Schumann. Sein Adagio und Allegro op. 70 setzt ganz auf den Dialog zwischen Horn und Klavier. Die Drei Romanzen op. 94 schuf er zwar für die Oboe, ad libitum auch für Violine, doch Zempléni macht deutlich, dass das Horn ebenso ausdrucksstark und innig klingen kann.
Gioachino Rossini war der Sohn eines Hornisten. Präludium, Thema und Variationen in E-Dur aus dem Jahre 1857 zeigen, dass er das Instrument liebte - und sein Klangspektrum ausreizte. Auch Richard Strauss ist mit Hornmusik aufgewachsen: Sein Vater Franz war mehr als 40 Jahre lang Solo-Hornist der Königlich Bayerischen Hofkapelle und Professor an der Musikakademie München. Das Andante für Horn und Klavier widmete er seinem "lieben hochverehrten Vater zur silbernen Hochzeit".
Leichtigkeit vermittelt das Divertimento für Horn und Klavier von Jean Francais. Die Elegie für Horn und Klavier von Francis Poulenc hingegen erweist sich als ergreifender Klagegesang, den der Kompo- nist 1917 im Gedenken an einen Hornisten anstimmte, der bei einem Autounfall ums Leben gekommen war. Moderne Ausdrucksmittel nutzt Volker David Kirchner in Tre Poemi. Dieses Werk, das die Tradition des romantischen Charakterstückes aufgreift, entstammt einem Zyklus für Singstimme, Horn und Klavier nach den Sonetten an Orpheus von Rainer Maria Rilke.
Szabolcs Zempléni, Jahrgang 1981, hat bereits viele Preise errungen. Er gehört ohne Zweifel zu den überragenden Hornisten seiner Genera- tion. Zempléni bewältigt auch höchste Anforderungen mit spieleri- scher Leichtigkeit, und begeistert durch seinen seidenweichen Klang, den er jedoch jederzeit nach Belieben färben kann. Péter Nagy, ebenfalls ausgebildet in Budapest und seit 2010 Professor an der Hochschule für Musik in Stuttgart, ist ihm ein sensibler Partner. Es ist ein ausgesprochenes Vergnügen, den beiden Musikern zuzuhören. Faszinierend!

Bach: Six Suites BWV 1007 - 1012; Rémy (Celestial Harmonies)

2012-01-06T21:43:00.000+01:00

Ludger Rémy, international präsent als Dirigent "Alter" Musik sowie als Spezialist für historisch korrektes Musizieren auf Cembalo und Hammerklavier, spielt Bach. Das wäre nicht weiter erwähnens- wert, wenn der Musiker nicht zugleich ein Tabu gebrochen hätte: Rémy spielt Bachs Cello-Suiten auf dem Cembalo.
Und obwohl bekannt ist, dass Bach selbst eine Menge seiner Werke für Cembalo bearbeitet hat, und dass er beispielsweise Teile seiner Par- titen und Sonaten für Violine solo für Laute oder Clavier arrangiert hat, sieht der Musiker die Notwendigkeit, sich dafür in dem Beiheft umfangreich zu rechtfertigen.
So erzählt der Gründer des Ensembles Les Amis de Philippe, seit 1998 zudem Professor für Alte Musik an der Musikhochschule Dresden, in einem "Märchen", er habe bei der Suche nach Archivalien auf den Spuren der Gebrüder Graun im Pfarrarchiv einer sorbischen Gemein- de schon vor Jahren Fragmente der Suiten für Violoncello solo ge- funden - sieben doppelseitig beschriebene Blätter, die seiner Meinung nach beweisen, dass die Cellosuiten aus einem Werk für Tasteninstru- ment entstanden sind. Rémy hoffte, diese legendäre Urschrift ander- weitig aufspüren zu können. Das ist ihm bislang leider nicht gelungen. "Nun aber, 11 Jahr später und fünf Jahre nach meiner Entdeckung, lege ich hiermit eine aus den Südbrandenburger Fragmenten und den überlieferten Cellosuiten erstellte Fassung der Werke vor, die vermutlich einer Urschrift recht nahe kommt."
Dazu hat Rémy einerseits Bachs eigene Bearbeitungspraxis sorgsam studiert. Andererseits hat er sich gründlich mit musikhistorischen Quellen auseinandergesetzt, die zeigen, wie andere Cembalovirtuosen zur Zeit Bachs eine solche Aufgabe gelöst haben. "Unter gar keinen Umständen sollte den Adaptationen der Klang einer simplen Über- tragung anhaften, sondern es sollte Musik entstehen, die es zwar schon gab, die nun aber sehr speziell dem neuen Instrument Cemba- lo und seiner Klangwelt entspräche: nicht Cellosuiten sollten hörbar werden, sondern Cembalosuiten", beschriebt Rémy sein Ziel: "Es sollte nicht Bach als hehre Idee dominieren, sondern Bach auf dem Cembalo."
Diese Mimikry ist Rémy ziemlich perfekt gelungen, auch wenn man sich manchmal nicht ganz sicher ist, ob es nicht doch Carl Philipp Emanuel Bach ist, den man da hört. In jedem Falle hat sich der Musiker an ein hochinteressantes Experiment gewagt, und dafür eine sehr achtbare Lösung gefunden. Rémy lässt sich auf einem Clavicem- balo hören, das der Bremer Cembalobauer Martin Skowroneck nach deutschen Vorbildern aus der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts geschaffen hat. Er bringt das Instrument zum Singen - was für ein Cembalo, dessen Saiten ja gezupft werden, nicht eben typisch ist - und beeindruckt auch sonst mit seinem klugen, aber keineswegs emo- tionslosen Spiel. Ich finde das Experiment auf dieser Doppel-CD kühn, aber in jeder Hinsicht geglückt - und kann diese schöne Aufnahme nur empfehlen.

Muffat: Propitia Sydera - Concerti grossi (Stradivarius)

2012-01-05T22:23:00.000+01:00

Georg Muffat (1653 bis 1704) war ein Schüler von Jean-Baptiste Lully. Er studierte in Ingolstadt Jura, und ging dann auf die Suche nach einer Anstellung. Muffat fand sie schließlich 1678 in Salzburg, als Domorganist und Kammerdiener bei Erzbischof Max Gandolph Graf von Kuenburg.
Sein Dienstherr scheint den Musi- ker geschätzt zu haben, denn er finanzierte ihm einen längeren Aufenthalt in Italien, wo Muffat bei Bernardo Pasquini, einem der besten Organisten und Cembalisten der damaligen Zeit, "die Welsche Manier auf dem Clavier erlernet". In Rom lernte Muffat unter ande- rem Arcangelo Corelli kennen, der ihn sehr beeindruckte und sein Werk prägte.
1690 ging Muffat nach Passau an den Hof des Kardinals Fürstbischof Johann Philipp von Lamberg, wo er bis an sein Lebensende als Hof- kapellmeister und Pagenoberhofmeister wirkte. Muffat war ein Mittler zwischen der italienischen und der französischen Musiktradition. Dabei bewies er viel Stilgefühl, wie diese CD beweist: Das Ensemble La Concordanza, das von Irene De Ruvo am Cembalo geleitet wird, hat für Stradivarius einige seiner Werke im italienischen Stil eingespielt. Dabei handelt es sich um vier Concerti grossi und eine Sonata a violino solo - ein Solitär im Werk des Komponisten; vielleicht hat er das Werk für den berühmten Violinvirtuosen Heinrich Ignaz Franz Biber geschrieben, der ebenfalls am Hof in Salzburg wirkte. Stefano Rossi, der erste Geiger von La Concordanza, trägt das Werk hier vor.
Die Werke Muffats verbinden italienische Leichtigkeit mit französi- scher Eleganz (und gelegentlich, vor allem im Orgelwerk, auch deut- scher Formstrenge). Diese Aufnahme macht uns auf wundervolle Musik aufmerksam, die bislang auch unerklärlichen Gründen nicht die Beachtung gefunden hat, die sie verdient. La Concordanza überzeugt mit einer Interpretation voll Charme und Delikatesse. Bravi!

In stile italiano - Bach, Marcello & Bigaglio (Musicaphon)

2012-01-04T21:58:00.000+01:00

In Weimar hatte der junge Bach erstmals Gelegenheit, die neuesten italienischen Konzerte zu studie- ren. So hat ihn der Austausch mit dem Dresdner Musikdirektor Johann Georg Pisendel, einem Schüler Vivaldis, nachweislich inspiriert. Doch auch Johann Ernst von Sachsen-Weimar, der Bruder des Regenten und ein Schüler Bachs, brachte von seiner Kava- lierstour, die ihn in die Niederlande führte, Partituren italienischer Komponisten mit.
Bach hat die Anregungen, die er dadurch erfuhr, begierig aufgenom- men. Diese CD stellt einige seiner Werke in Kontrast zu zwei Sonaten von Diogenio Bigaglia (um 1676 bis 1745) und Benedetto Marcello (1686 bis 1739). Stefano Bagliano, Blockflöte, und Christian Brembeck am Cembalo musizieren mit Leidenschaft und auch mit sehr viel Sachverstand. Baglianos virtuoses Flötenspiel bezaubert; wer ihn spielen hört, der fragt nicht mehr, warum das Instrument flauto dolce genannt wird.
Das berühmte Concerto nach italienischen Gusto aus dem zweiten Teil der Clavierübung, das man hier erwartet hätte, spielt Brembeck diesmal freilich nicht. "Hier treibt Bach seine Auseinandersetzung mit der Form des italienischen Concerto gewissermaßen auf die Spitze", erläutert der Musiker in dem sehr informativen Beiheft: "Er schreibt eine 'virtuelle' Transkription eines (nie existent gewesenen!) Konzertes italienischer Prägung für ein Cembalo mit zwei Manualen, mit klarer Aufteilung der Tutti- und Concertino-Passagen!"
Doch den Musikern geht es eher um einen Blick in die Werkstatt des Komponisten, und daher haben sie für diese CD ein anderes Solo-Stück für das Cembalo ausgewählt: Die Aria variata alla maniera italiana BWV 989, welche die Begegnung der Variationspraxis italienischer Meister mit der sehr deutschen Form der Choralpartita dokumentiert.
Ansonsten zeigen sie "Bachs ureigene Erfindung einer echten Triosonate für nur zwei Instrumente", so Brembeck - "Stimme des Soloinstrumentes, weitere Melodiestimme in der rechten Hand des Cembalos, Bassstimme in der linken Hand". Das ist wirklich ein interessanter Aspekt, und wenn so brillant musiziert wird wie hier, dann kann man wirklich nur empfehlen: Unbedingt reinhören!

Mozart: Violin Concertos 3 & 5, Rondo & Adagio; Henkel (The Spot Records)

2012-01-03T22:14:00.002+01:00

Die Aufnahmen von Mozart-Violinkonzerten sind Legion. Was also veranlasst Susanna Yoko Henkel, eine Schülerin von Rainer Kussmaul und Ana Chumachenko, mehrfache Wettbewerbssiegerin und sogar Gewinnerin des ECHO Klassik 2011, eine weitere Einspielung hinzuzufügen?
Man hört - und staunt: Einen so romantischen Ton hat man bei Mozart lange nicht vernommen. Diese Klänge erinnern, zumindest was die Solo-Violine angeht, an Anne Sophie Mutter. Und das ist, jedenfalls im Zusammenhang mit Mozart, absolut kein Kompliment für Susanna Yoko Henkel.
Die junge Geigerin leitet zugleich das Lithuanian Chamber Orchestra, und das klingt verblüffend wenig elegant, ja, gelegentlich wirkt der Beitrag der Orchestermusiker sogar ruppig. "Was das Orchester be- trifft, so habe ich bewusst einen transparenten, kammermusikali- schen Klang gesucht. Der Bassgruppe haben wir, wie zu Mozarts Zeiten üblich, ein Fagott hinzugefügt", erläutert Henkel. "Interessant fand ich die Tatsache, dass damals mehr Kontrabässe als Violoncelli eingesetzt wurden (...) Auch wenn das heute nicht mehr üblich ist, so bedeutet es meiner Meinung nach, dass ein besonderes Augenmerk auf eine prägnante Bassgruppe zu richten ist, die unabhängig von der Besetzung ein starkes, rhythmisch federndes Fundament bilden soll. Hierbei habe ich bewusst nicht die Verschmelzung mit den oberen Stimmen, sondern einen eigenständigen Puls gesucht - im Jazz nennt man das den 'Groove'."
Sorry, aber mich erinnert das eher an einen Brummtopf, der Dorf- musikanten bei ihren Bemühungen um rhythmisches Fundament unterstützt, und auch meist zu laut und etwas unpräzise anspricht - zumal das Orchester auch sonst nicht gerade geschmeidig spielt; das klappert alles reichlich hölzern und unsinnlich neben der Solistin daher, die wiederum ihren Tschaikowski-Ton kultiviert. Über die technische Qualität der Einspielung wollen wir an dieser Stelle zudem lieber gar nichts schreiben.
Da hilft auch eine historisch informierte Verzierungspraxis nebst Quellenstudium und gar nicht mal uninteressanten eigenen Kadenzen nicht weiter - diese Aufnahme gehört nicht zu meinen Favoriten. "Es ging wie Öl", berichtete Mozart einst über ein Konzert an seinen Vater. Von dieser CD lässt sich das leider nicht sagen.

Rameau: Pièces de Clavecin; Chassot (Genuin)

2012-01-03T17:18:00.000+01:00

"Schon immer hat mich der Klang des Akkordeons fasziniert", sagt Viviane Chassot. "Allerdings gefiel mir die Musik, die darauf gespielt wurde, überhaupt nicht. Als ich entdeckte, dass es möglich ist, auf dem Akkordeon auch klassische Musik zu spielen, schien der Weg klar." Denn mittlerweile hat das Akkordeon auch seinen Raum an den Musikhochschulen und auf dem Konzertpodium erobert.
Viviane Chassot hat in Bern bei Teodoro Anzelotti studiert; sie hat etliche Preise gewonnen, und ist eine gefragte Solistin. Nach ihrem Debüt bei Genuin, das sie mit So- naten von Joseph Haydn bestritten hat, wählte sie nun für diese CD einige der Pièces de Clavecin aus dem reichen Werk von Jean-Phi- lippe Rameau (1683 bis1744). "Vitalität, verspielte Leichtigkeit und Witz, aber auch die tiefe Ernsthaftigkeit lyrisch angelegter Sätze machen die Suiten abwechslungsreich und lassen sehr viel Spiel- freiheit und Fantasie zu", erläutert Chassot. "Dank dem breiten klanglichen und dynamischen Spektrum des Akkordeons lassen sich die verschiedenen Affekte sehr gut umsetzen. Wie es Rameau gelingt, in kürzester Zeit die verschiedensten Szenen, Bilder, Stimmungen und Charaktere zu skizzieren und auf den Punkt zu bringen, fasziniert mich."
Rameaus Stücke sind Kabinettstückchen, Miniaturen, die beispiels- weise einen Hühnerhof lautmalerisch imitieren - und unversehens zu einem musikalischen Bild der Eitelkeit werden. Hörbar wird aber auch, dass dieses Laster den Menschen aus dem seelischen Gleich- gewicht bringt; diese Musik ist sprunghaft, unausgeglichen und voller Unruhe. Chassot hat sich für Les Cyclopes, Le Rappel des Oiseaux und Les Soupirs aus den Pièces de Clavecin von 1724 entschieden, und für die Suite in g-Moll/G-Dur, zu der unter anderem das berühmte L'En- harmonique gehört, und eine Suite in a-Moll/A-Dur aus den Nouvel- les Suites de Pièces de Clavecin von 1728.
Auch wenn diese Werke ursprünglich für Cembalo entstanden sind, gelingt es der Musikerin ausgezeichnet, sie auf das Akkordeon zu übertragen. Dabei löst sie sich von der Vorstellung, das Original penibel umsetzen zu müssen. "Wichtig ist mir bei der Interpretation dieser Stücke der Kompromiss zwischen stilgerechter historischer Aufführungspraxis und den spezifischen klanglichen Möglichkeiten des Akkordeons", unterstreicht Chassot. "Die Flüchtigkeit eines Kielflügels wird auf dem Akkordeon zwar nie hörbar sein, da die Tonerzeugung nicht so unmittelbar stattfindet wie auf dem Cembalo. Dennoch kann auch der Klang des Akkordeons auf berührende Weise fragil sein."
Der Hörer dieser CD wird dies erfreut bestätigen. Man staunt darüber, welche Lösungen die Akkordeonistin jeweils gefunden hat, das Klang- bild des Cembalos adäquat auf ihr Instrument zu übertragen. Ihr Spiel ist brillant, und ihr Umgang mit dem Instrument ist blitzgescheit - das macht die Aufnahme zu einem absoluten Hörvergnügen. Brava!

Rossini: William Tell (EMI Classics)

2012-01-01T20:47:00.000+01:00

Die letzte Oper von Gioachino Rossini (1792 bis 1868) galt dem Freiheitskampf der Schweizer gegen das Haus Habsburg. Antonio Pappano hat Guillaume Tell nun in der französischen Originalfassung nach der kritischen Edition für EMI Classics eingespielt. Dort erschien kürzlich der Mitschnitt einer kon- zertanten Aufführung mit Orche- stra e Coro dell'Accademia Nazio- nale di Santa Cecilia Roma vom Oktober und Dezember 2010. Und die hat es durchaus in sich.

Denn die Geschichte um den Gesslerhut, den legendären Apfelschuss und den Rütlischwur hat der Komponist so umgesetzt, wie es dem französischen Geschmack entsprach. Das Ergebnis: Der Titelheld, Bassbariton, erhielt keine einzige "klassische" Arie. Der eigentliche Gegenspieler des verhassten Landvogts Gessler ist das Volk - und so treiben gewaltige Chöre das Geschehen voran. Damit jedoch auch die Liebhaber schöner Stimmen zu ihrem Recht kommen, gibt es in dieser Oper die Partie des Arnoldo Melcthal - mit 54 Bs, 15 Hs, 19 hohen Cs und zwei Cis.

John Osborne empfiehlt sich damit als Rossini-Tenor; er erweist sich nicht nur sozusagen als höhensicher, sondern er zeigt auch Stilgefühl, das durchaus begeistert. Gerald Finley überzeugt als Guillaume Tell. Als Hedwige und Jemmy, Frau und Kind des Helden, sind Marie-Ni- cole Lemieux und Elena Xanthoudakis zu hören. Mathilde, Prinzessin aus dem Hause Habsburg, die große Liebe des Arnold Melcthal, sang Malin Byström. Doch die wahren Helden dieser Oper sind die wacke- ren Schweizer - der Coro dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia gibt ihnen Stimme, und macht deutlich, wieso diese Grand Opéra nach Schiller, erstmals aufgeführt 1829 in Paris, die Krönung und ein wür- diger Schlusspunkt von Rossinis Engagement als Opernkomponist war. Selbst Wagner bescheinigte seinem italienischen Kollegen, er habe hier "Musik für die Ewigkeit" geschrieben.

Pappano zeigt mit den wuchtigen Chören und dem beredten Orche- sterpart, wie nah dieses Werk bereits den Opern Verdis ist - und warum Rossinis Guillaume Tell im von den Habsburgern beherrsch- ten Italien gar nicht willkommen war. Eine furiose Einspielung, die das selten gespielte Werk in Erinnerung bringt.

Werner: Musikalischer Kalender (Hungaroton)

2011-12-31T20:27:00.000+01:00

Gregor Joseph Werner (1693 bis 1766) gehört heute zu den weit- gehend vergessenen Komponisten. Über seine Kindheit und Jugend ist wenig bekannt; er wirkte wohl zu- nächst als Organist in Melk, und hat dann wahrscheinlich in Wien bei Johann Joseph Fux studiert.
1728 trat er in den Dienst der Fürsten Esterházy, und dort blieb er bis an sein Lebensende. Allein die Tatsache, dass er der Vorgän- ger Haydns auf dem Posten des ersten Kapellmeisters und als solcher auch einige Zeit Haydns Vorgesetzter war, sollte auf sein Werk neugierig machen. Doch bislang ist kaum eines seiner Stücke auf CD zu bekommen. Nun hat das Ensemble Aura Musicale unter Leitung von Balázs Máté auf zeitgenössischen Instrumenten seinen Neuen und sehr curios-Musicalischen Instrumental-Calender eingespielt. Dieses launige Werk, der zunächst ein wenig an Vivaldis Vier Jahreszeiten erinnert, gibt Zeugnis von dem grandiosen Humor seines Komponi- sten - und von dessen handwerklicher Meisterschaft.
Was er da in Noten gesetzt hat, das beschreibt Werner selbst so: "Hoch- und nach Standes-Gebühr geneigter Leser! Hier wird Dir ein Wercklein zur Gemüths-Ergötzung vorgeleget, von derley Gattung noch keines jemahl zum Vorschein gekommen. Es betitult sich aber dieses: der neue und sehr Curios- Musicalische Instrumental-Calender. Hiervon nun eine Kurtz- und deutliche Information zu geben, so folget demnach zu wissen, daß gleich Anfangs Januarii mit zitternden Noten die Kälte exprimiret wird. Im Februario kommen allerhand lustige Faßnachts-Stuck mit Harlequins Hochzeit, worbey ein verworffener Tag einfallet (&c). Der Martius deutet auf die trau- rige Fasten. In dem April folget das variable Wetter mit mancherley vermischten Tacten. Der Majus bringet die Gärtnerey, samt dem Nachtigalls-Gesang. Der Junius und Julius hat Erd-beben und Donner-Wetter. Im Augusto und September kommen der Zeit gemäß einige curiose Stuck. Der October führet den Faßbinder auf. In dem November ist der melancholische Student wegen der Schulen Anfang, darbey sich die Mühl hören lasset, weilen sich jeder über den Winter gern proviantiret. Der December hat den Schlaff wegen der langen Nächte. Es kommet auch die Sonne zum Vorschein, wie sie Quartal-weiß in die vier Himmels-Zeichen, des Widders, Krebsen, Waag und Steinbock einruckt (&c). In Summa , es ist eines jeden Monaths Eigenschafft so deutlich exprimiret, als es sich in der Music thun lässet."
Die Musiker haben an Werners Programmmusik hörbar Vergnügen - und der Zuhörer auch. Wenn die Sonne im Krebs ein Menuett im Krebsgang absolviert, die Frösche quaken, Stürme tosen oder das Posthorn ertönt, wenn man eine Hetzjagd belauscht oder die Mühle vernimmt, dann kann man über diese musikalische Charakterisier- kunst nur staunen. Mehr davon!

Bach: The Complete Flute Sonatas (Hyperion)

2011-12-30T22:06:00.000+01:00

Diese Doppel-CD aus dem Hause Hyperion enthält sämtliche Flö- tensonaten von Johann Sebastian Bach sowie jene, die ihm zwar zugeschrieben werden, bei denen Experten aber Zweifel daran haben, dass sie tatsächlich von dem Komponisten stammen. Lisa Beznosiuk, ausgewiesene Expertin für "Alte" Musik, spielt eine Eben- holz-Traversflöte aus der Werk- statt von Alain Weemaels nach einem Original des Brüsseler Holz- blasinstrumentenbauers Johannes Hyacinthus Rottenburgh (1672 bis 1765).
Dieses Instrument verfügt über eine faszinierend dunkel klingende Tiefe, und wird auch in der Höhe niemals spitz oder schrill. Beznosiuk entwickelt einen unglaublich wandlungsfähigen Ton, sie färbt den Klang nahezu nach Belieben - das ist phantastisch, und es wäre mit einer modernen Böhmflöte wohl kaum in ähnlicher Weise möglich. Insofern ist diese Aufnahme spannend. Bei der Triosonate in G-Dur BWV 1039 übernimmt Rachel Brown die zweite Flöte; sie spielt ebenfalls brillant.
Den Cembalo-Part hat Paul Nicholson übernommen. Ob allerdings Bach im Continuo ein Violoncello eingesetzt hat - es wird hier gespielt von Richard Tunnicliffe -, das ist umstritten; der Einsatz eines Violones würde den Klang noch einmal verändern. In einem Stück, der E-Dur-Sonate BWV 1035, kommt anstelle des Cembalos die Erzlaute zum Einsatz, gespielt von Elizabeth Kenny. Dies erscheint durchaus als eine attraktive Variante, auch wenn ich nicht glaube, dass diese Sonate zu Bachs Zeiten tatsächlich so erklungen ist. Variatio delectat - und diese beiden CD sind musikalisch wirklich sehr interessant.

Humperdinck: Dornröschen (cpo)

2011-12-30T15:14:00.000+01:00

Mit der Oper Hänsel und Gretel sicherte sich Engelbert Humper- dinck (1854 bis 1921) seinen Platz im Spielplan bis zum heutigen Ta- ge. Jedes Jahr zur Weihnachtszeit erfreut nahezu jedes Opernensem- ble in Deutschland sein kleines Publikum mit der Geschichte der beiden tapferen Kinder, die die tückische Hexe überwinden, und aus dem finsteren Wald zurück in ein Elternhaus finden, dass einem gleich sehr viel weniger trostlos erscheint.
Es ist wenig bekannt, dass der Komponist neben diesem Erfolgsstück auch noch weitere Märchenopern geschaffen hat. Eine davon er- schien nun bei dem Label cpo: Dornröschen basiert auf einem Libretto der Berliner Jugendbuchautorin Elisabeth Ebeling, das sie mit Unterstützung ihrer Freundin Bertha Lehmann-Filhés verfasst und 1895 an den Komponisten gesandt hatte.
Doch der verspürte offenbar wenig Lust, die betulichen Verse zu vertonen. Erst nachdem Humperdinck 1900 einen Ruf an die preußische Akademie der Künste erhalten und Ebeling der gesamten Familie Quartier in ihrer Villa gewährt hatte, sah er sich genötigt, das Werk in Musik zu setzen. 1902 wurde das "Ausstattungsstück mit allerhand Musik", wie es Humperdinck selbst ironisch nannte, schließlich in Frankfurt/Main uraufgeführt.
Die Frankfurter Zeitung urteilte damals, das Werk sei ein "Virtuosen- stück für den Dekorationsmaler und Theatertechniker". Denn die Dichterin hat das bekannte Märchen der Gebrüder Grimm erheblich ergänzt. Da gibt es einen Prinzen Reinhold, mit dem die Prinzessin verlobt werden soll - bevor sie in den Schlaf sinkt, wohlgemerkt - und nach den hundert Jahren wird sie sein Enkel, der ebenfalls Reinhold heißt, erlösen. Allerdings muss dieser dazu nicht nur die Dornenhecke überwinden, sondern auch die verlorengegangenen Verlobungsringe wieder auftreiben, und den Verführungskünsten der bösen Fee Dämonia widerstehen. Schafft er das nicht pünktlich bis zum Ende der Frist, stirbt Prinzessin Röschen - und mit ihr der ganze schlummernde Hofstaat. Natürlich hat das Märchen ein Happy End, doch zuvor muss der Held bis zu den Sternen reisen, um dann im Reich der Zwerge - Nibelheim lässt grüßen - die Ringe aufzuspüren.
Durch diese Erweiterung der eigentlichen Dornröschen-Geschichte erhält das Märchen eine philosophische Dimension: Prinz Reinhold wird sein eigentlicher Held, und er muss Treue, Mut und Einsatz zeigen, um die Prinzessin zu retten. In zahlreichen Details dieser Handlung wird das Vorbild Wagner sichtbar, in Humperdincks Musik allerdings eher ironisch gebrochen. Und in den eher melodramati- schen Abschnitten, wo gesprochene Dialoge durch Musik kontrastiert werden, meint man gelegentlich sogar, die gute alte Operette kichern zu hören.
Die Dimension eines Singspiels für Kinder jedenfalls sprengt die Handlung dieses "Märchens in einem Vorspiel und drei Akten". Und die umfangreiche Besetzungsliste hat sicherlich auch mit dazu bei- getragen, dass das Werk sich im Repertoire nicht halten konnte. Es ist dennoch schön, dass das Münchner Rundfunkorchester sowie der Chor des Bayerischen Rundfunks mit einer ausgewogenen Solisten- riege unter der musikalischen Leitung von Ulf Schirmer das Werk nun auf CD zugänglich gemacht hat. Auf die Bühne zurück wird es wohl eher nicht finden.

Le Calme. Fernando Sor late works (Linn)

2011-12-28T21:29:00.002+01:00

Die Werke von Fernando Sor (1778 bis 1839) seien schon oft und auch sehr gut eingespielt worden, meint William Carter. Warum der Gitar- rist den Aufnahmen eines Andrés Segovia oder Julian Bream dennoch eine weitere hinzufügt? "The answer comes down to a simple question of 'fingernails'", sagt Carter.
Eine Handvoll Virtuosen bewirkte seinerzeit den Einzug der Gitarre in die Salons und Konzertsäle - dazu gehörten neben Sor unter anderem sein Freund Dionisio Aguado, Mauro Giuliani, Matteo Carcassi und Ferdinando Carulli. An die Stelle der fünfchörigen Barockgitarre, die zehn Saiten hatte, trat die moderne Konzertgitarre mit sechs Saiten. Auch die Spielweise veränderte sich, und das führte zu damals einer erbitterten Auseinandersetzung zwischen den Anhängern des Anschlags mit den Fingerkuppen und jenen Virtuosen, die dafür die Fingernägel nutzten.
Auch Segovia und Bream spielen, wie heute üblich, mit den Nägeln - doch Sor lehnte dies seinerzeit ab. Diese andere Art des Anschlags aber bringt auch einen veränderten Klang mit sich, erläutert Carter: "The sound is softer but perhaps more vocal in quality. While each of these methods of playing can give wonderful results (this is my opinion, anyway) they are very different in their basic sound and Sor was a fingertip player." Sor selber schrieb dazu, dass der Klang einer Gitarre, die mit den Nägeln gespielt wird, sich von seinem unterscheide wie ein Cembalo vom Pianoforte.
Um diese Spielweise nachzuvollziehen, ließ sich Carter von dem Gitarrenbauer Tony Johnson eigens ein Instrument bauen, dass sechs Saiten hat, aber wesentlich weicher zu spielen ist, als wir das heute gewohnt sind. "It has the range of colour and dept of bass wich I associate with the guitar (as opposed to a lute) but speaks easily when plucked with bare fingers", schwärmt der Gitarrist.
Der Zuhörer, der ihn spielen hört, wird davon begeistert sein, denn sein Klang ist in der Tat wundervoll, er ist wandlungsfähig und farbenreich. Carter ist ein exzellenter Gitarrist; man spürt jedoch zugleich, dass er nicht einfach Stücke abspielt. Er stellt vielmehr jedes dieser Werke in einen musikhistorischen Kontext. Erstaunt stellt man fest, wie stark die Musik Sors in deutlich älterem Kontext verwurzelt ist. Diese CD ist ein Erlebnis - so wünscht man sich die Auseinander- setzung mit den Klassikern der Gitarre.

Bach: Organ Masterworks Vol. II; Koito (Claves)

2011-12-27T22:33:00.000+01:00

Kei Koito hat die seltene Gabe, zu erspüren, was eine Orgel in Kombi- nation mit dem Kirchenraum, die sie umgibt, einzigartig macht. Das unterscheidet sie von vielen anderen Organisten, die ebenfalls brillant spielen, denen aber dieses Gespür fehlt - und es macht ihre Einspielungen so faszinierend.
Auf dieser CD ist sie an der Silber- mann-Orgel der Katholischen Hofkirche in Dresden zu erleben. Sie spielt Werke, die man vielleicht am ehesten in der Zeit um das Ende des Kirchenjahres verorten könnte, jenen Wochen zwischen Totengedenken und Vorfreude auf das Weihnachtsfest. So folgt auf Toccata und Fuge in d-Moll BWV 565 Nun komm der Heiden Heiland, und zwar gleich in drei verschiede- nen Varianten, aus den Leipziger Chorälen. In derselben Sammlung findet sich auch Herr Jesu Christ, dich zu uns wend.
Die Fantasie c-Moll BWV 562 verweist auf Frankreich - und die Organistin lässt darauf gleich noch die Ouvertüre nach französischer Art BWV 831 folgen, mit Rücksicht auf die Orgel transponiert nach
c-Moll. Eine Rarität ist auch die Kombination aus Toccata, Adagio und Fuge C-Dur BWV 564, die Koito im Anschluss daran spielt.
Nach Wachet auf, ruft uns die Stimme BWV 645, einem der Schübler-Choräle, folgen Fantasie und Fuge in g-Moll BWV 542. Bach hat sie einst geschrieben, als er sich in Hamburg um eine Organistenstelle bewarb. Die hätte er sogar bekommen, doch er weigerte sich dieses Amt zu kaufen - und blieb in Köthen. Sein wuchtiger Auftritt im stylus phantasticus beeindruckt noch heute, und Kei Koito setzt neben die dramatischen Ausbrüche der Fantasie die strenge Regelmäßigkeit der anschließenden Fuge, die überraschend heiter endet.
Bachs Kantate Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit wird von einer Sona- tina eingeleitet. Koito spielt sie hier in einer Fassung von Alexandre Guilmant für Orgel, die dem Original klanglich erstaunlich dicht folgt. Man meint, die Blockflöten zu hören, die jenes Wiegenlied anstimmen, das andeutet, dass Christen sanft und im Vertrauen auf Gott ent- schlummern. Die Organistin registriert souverän, und nutzt die Klangmöglichkeiten, die ihr das wundervolle Silbermann-Instrument bietet, ganz hervorragend. Mit In dir ist Freude BWV 615, das übli- cherweise freudig das neue Jahr begrüßt, klingt die CD schwungvoll-tänzerisch aus. Wer Bach liebt, aber auch eine nicht ganz orthodoxe Sicht auf sein Werk akzeptabel findet, wenn sie musikantisch über- zeugt, der wird diese Aufnahme mögen.

Scarlatti: Venere, Amore e Ragione (La Bottega Discantica)

2011-12-27T21:38:00.000+01:00

Venus, die Göttin der Liebe, ihr kecker Sohn Amor und die perso- nifizierte Vernunft wetteifern um die Gunst des Publikums in dieser serenata, die Alessandro Scarlatti (1660 bis 1725) 1706 für Feier- lichkeiten in Rom komponiert hat. Es ist ein hübsches Stück, das damit beginnt, dass Venus ihren Sohn vermisst. Sie spürt ihn bei den Nymphen und Schäfern in den sieben berühmten Hügeln auf, doch zu ihrem nicht geringen Ent- setzen muss sie feststellen, dass die Vernunft Einfluss auf den Knaben gewonnen hat. Nun fürchtet sie, dass er seine Kraft verlieren könnte. Doch Amor kann seine Mutter beruhigen, und davon überzeugen, dass es sogar nützlich ist, wenn die Vernunft ihm beisteht.
All dies wird natürlich wunderbar gesungen. Und wenn die Sänger schweigen, dann dürfen die Instrumentalisten erst recht brillieren - denn seinerzeit gehörten zu diesem Werk auch Tanzeinlagen. Der Text für diese serenata stammt von Silvio Stampiglia, der ebenso wie Scarlatti Mitglied der Accademia dell'Arcadia war; das Manuskript liegt in der Diözesanbibliothek Münster.
Im zweiten Teil enthält diese CD zudem die Sinfonia di Concerto grosso Nr. 10, eines von zwölf Werken aus dem Jahre 1715, in denen Scarlatti offenbar die Sinfonia Napoletana mit dem Concerto grosso kombiniert hat. Das Ergebnis klingt etwas strenger und konzentrierter als beispielsweise die bekannten Werke Corellis. Man darf dem Barockorchester Les Eléments unter Piero Cartosio dankbar sein für die Wiederentdeckung der beiden Werke; sie tragen dazu bei, Scarlattis Musik schrittweise wieder zugänglich zu machen. In den Solopartien gefallen Veronica Lima, Venus, Gabriella Costa, Amore und Elena Biscuola, Ragione. Diese blitzsaubere, schwungvolle Einspielung kann hier empfohlen werden.

The Colours of Christmas - John Rutter (Decca)

2011-12-26T20:56:00.000+01:00

"The music of Christmas has been like a golden thread running through my life ever since I first sang carols - and began to compose a few of my own - as a member of Highgate School capel choir", begeistert sich John Rutter. "I still love to hear, to write and to conduct Christmas music, and in this album I have had the opportunity to do all this in the company of some especially cherished colleagues."
Das sind nicht nur The Bach Choir und The Royal Philharmonic Orchestra, mit denen er diese CD ein- gespielt hat. Mitgewirkt haben auch die neun jungen Sänger der Close-Harmony-Gruppe Over the Bridge, gegründet 2005 am Clare College in Cambridge - was Rutter, wie er berichtet, besonders freut, weil er selbst einst dort studiert hat. Und in einem Arrangement sind sogar die King's Singers präsent, für die Rutter etliche seiner Werke ge- schrieben hat.
Der renommierte Komponist und Chorleiter hat ein Programm zusammengestellt, dass zwischen den Hits immer wieder auch Raum für Entdeckungen lässt, und das postmodernen Puderzucker mit "echten" Klassikern wie Sweelinck oder Britten kombiniert. Musiziert wird kraftvoll und mit dem Anlass angemessener Inbrunst. "With music, your Christmas can always be perfect", hat Rutter einmal gesagt. Für diese CD jedenfalls kann man ihm da nur zustimmen.

Wie schön leuchtet der Morgenstern (Oehms Classics)

2011-12-26T20:21:00.000+01:00

René Clemencic, Jahrgang 1928, hat sich seit vielen Jahren der sogenannten "Alten" Musik verschrieben. 1957 gründete der Österreicher sein Ensemble, das heutige Clemencic Consort, das in wechselnder Besetzung Werke aus dem Mittelalter, der Renaissance und dem Barock aufführt.
Die vorliegende CD stellt Musik zur Weihnacht aus der Zeit des Barock vor; die Auswahl reicht von der Orgelmusik des Straßburger Orga- nisten Bernhard Schmid (1536 bis 1592) über geistliche Stücke von Claudio Monteverdi und Heinrich Schütz bis hin zu einem Largo aus der Sonata pastorale des Violon- cello-Virtuosen Salvatore Lancetti - womit wir bereits im 18. Jahr- hundert wären.
Das Programm kombiniert Gesang, Cembalo, Barockgitarre, Barock- cello sowie den Klang der barocken Prozessionsorgel aus Friesach zu einem akustischen Gruß aus einer fernen Zeit: "Durch eine Auswahl barocker Pastoralmusik und barocker geistlicher Gesänge wollen wir hier die weihnachtliche Welt der damaligen Zeiten Klang wer- den lassen", schreibt Clemencic in dem ansonsten nicht übermäßig informativen Beiheft.
Dazu eignet sich das geschickt zusammengestellte Programm ziemlich gut; es bietet viele Stücke, die entdeckt werden wollen, und ist ab- wechslungsreich, aber es setzt eher auf höfische Klänge und verzich- tet auf eine allzu volkstümliche Anbetung des Jesuskindleins. Wer schöne Musik zum Anhören und Staunen sucht, der wird an dieser CD sein Vergnügen haben.
Krisztina Jónás und Marelize Gerber, Sopran, und Armin Gramer, Contratenor, singen durchweg mit schlanken, gut geführten Stimmen, und gestalten ebenso schön wie Pierre Pitzl, Barockgitarre, Claudio Ronco und Emanuela Vozza, Barock-Violoncello. René Clemencic, der spiritus rector des Ensembles, ist an Orgel und Cembalo zu hören. Eine CD, die gänzlich auf Mitsumm-Weihnachtslieder verzichtet - und gerade damit Weihnachtsfreude verbreitet.

Singt, ihr Engelchöre! (Querstand)

2011-12-25T22:17:00.001+01:00

"Das Komponieren für deutsche Chöre war ein Wendepunkt in meinem künstlerischen Schaffen, der meiner Arbeit eine neue und willkommene Dimension hinzu- fügte", berichtet Sir Colin Mawby. Der Komponist, Jahrgang 1936, begann seine Ausbildung als Chorknabe an der Chorschule der Westminster Cathedral und stu- dierte dann am Royal College of Music. Er wirkte viele Jahre als Organist und Chorleiter; so grün- dete er 1991 den Irish National Chamber Choir, Irlands einzigen professionellen Chor. Für seine Verdienste um die Kirchenmusik wurde er 2006 durch Papst Bene- dikt mit dem Gregorius-Orden ausgezeichnet.
Doch Mawby beschränkt sich nicht auf die katholische Liturgie. Seit etlichen Jahren verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit mit der Biederitzer Kantorei, dem außerordentlich engagierten Chor eines außerordentlich engagierten Kantors, der sich in der Nähe von Mag- deburg niedergelassen hat. Das bescherte auch dem Komponisten neue Ideen: "Ich bin begeistert vom Phänomen der deutschen 'Pasto- ralmesse' - in England gibt es nichts Vergleichbares", so Mawby. "Ihre Feierlichkeit, ihre Freude und ihr tanzartiger Charakter drücken den Sinn der Weihnacht mit großem Verständnis aus, und ich habe versucht, diese Eigenschaften 'im englischen Stil' aufzu- greifen. Das Komponieren dieser Messe hat mir große Freude bereitet."
Die Pastoralmesse in G zieht sich wie ein roter Faden durch diese CD - und das Vocalconsort Leipzig, ein semiprofessionelles Ensemble, das von Gregor Meyer geleitet wird, der nun auch dem Gewandhauschor vorsteht, singt die weihnachtliche Chormusik des englischen Kompo- nisten mit Schwung und hörbarem Vergnügen. Das mag nicht zuletzt mit daran liegen, dass sie sehr schön klingt. "Meine Musik soll die Zuhörer ansprechen und sie bewegen", unterstreicht Mawby. "Die Kompositionstechnik ist niemals Ursprung, sondern immer Dienerin der Inspiration. Ich schreibe ganz bewusst für die kirchenmusikali- sche Praxis, weshalb keines der Stücke auf dieser CD schwer auszu- führen ist und sämtliche Streicherstimmen optional sind. Es ist unabdingbar, dass Interpreten Gefallen finden an dem, was sie singen - dies sollte jeder Komponist zu einem Grundsatz seiner Arbeit machen."
Das Vocalconsort Leipzig wird teilweise begleitet durch Holzbläser und Streicher der camerata lipsiensis, sowie durch Caroline Roth an der Sauer-Orgel der Michaeliskirche Leipzig. Und sollte beim Anhö- ren dieser CD die Lust aufkeimen, diese schmissige Musik auch in der eigenen Gemeinde aufführen zu wollen - das Beiheft verrät, wo die Noten zu bekommen sind.

Snowflakes - A Classical Christmas (BIS)

2011-12-23T22:29:00.000+01:00

Oystein Baadsvik, geboren 1966 im norwegischen Trondheim, ist einer von sehr wenigen Tubisten, die sich ausschließlich auf eine Solo- karriere konzentrieren. Auf dieser CD hat er gemeinsam mit dem Frauenchor Cantus aus seiner Heimatstadt und dem Trondhei- mer Symponieorchester unter Torodd Wigum Weihnachtslieder eingespielt.
"Ich hatte schon immer eine Schwäche für Weihnachtsplatten und habe zu Hause eine große Auswahl davon", berichtet der Musiker. "Manche Lieder sind schlicht und einfach unentbehrlich, ohne sie ist sozusagen nicht Weihnachten. Nachdem ich acht CDs mit allem Möglichen von klassischer Musik über Zeitgenössisches bis hin zum Jazz eingespielt hatte, fand ich, dass es höchste Zeit war, selbst einige der schönsten Weihnachtslieder aufzunehmen, und mit Hilfe von geübten Arrangeuren habe ich mich erdreistet, eigene Versionen davon zu machen."
In dem informativen Beiheft erläutert Baadsvik seine Auswahl und seine Klangvorstellungen; und wer die Tuba als das tiefste Blas- instrument in Erinnerung hat, die im Orchester "umpa-umpa" macht, der wird hier überrascht feststellen, wie schön sie singen kann. Auch die Damen von Cantus singen schön; schade nur um die herrlichen Weihnachtslieder, die in unseren Breiten zumeist wenig bekannt sind, weil Baadsvik offenbar auch eine Schwäche für Puderzucker hat.

Christmas with Los Romeros (Deutsche Grammophon)

2011-12-23T21:39:00.000+01:00

Weihnachten mit Los Romeros - das steht synonym für Weih- nachten mit der Gitarre. 1957 wanderte Celedonio Romero (1913 bis 1996), der Patriarch der Fami- lie, die ursprünglich aus Málaga stammt, mit seinen Söhnen Celin, Pepe und Angel in die USA aus. Dort begründete er das legendäre Gitarrenquartett, in dem mittler- weile die dritte Generation musi- ziert: Lito, der Sohn von Angel Romero, trat nach dem Tod von Celedino in das Ensemble ein, und Celins Sohn Celino löste 1990 Angel ab, der sich lieber auf das solisti- sche Musizieren konzentrieren wollte.
Insgesamt spielen sieben Enkel Celedinos Gitarre. Und trotz aller Auszeichnungen und Uraufführungen - etliche Komponisten schufen Konzerte eigens für diese Formation - ist die Familie Romero noch immer mit Hingabe und Leidenschaft Musiker. Das bezeugt diese CD, die Los Romeros - Pepe, Celin, Lito, Celino und Angel - gemeinsam mit dem Orchester Concerto Málaga unter Massimo Paris eingespielt haben.
Sie kombiniert Weihnachtslieder aus aller Welt in charmanten Gitarren-Arrangements mit Klassikern wie Händels For unto us a Child is born, die durch die Gitarristen im Wechselspiel mit dem Orchester vorgetragen werden. Das wirkt mitunter fast wie ein Concerto grosso - wirklich sehr hübsch gemacht, da verzeiht man auch gern zwei endlos lange und ziemlich kitschige Ave Maria nach Schubert bzw. Gounod.
Massimo Paris hat für die Gitarristen zudem noch eine bezaubernde X'mas Suite komponiert, die uns zunächst in Hirtenidyll und Glocken- geläut führt, sodann den Kometen zeigt, und die drei Heiligen Könige eine Gavotte tanzen lässt. Nach einem Schlaflied fürs Jesuskind erklingt abschließend ein Saltarello - das Volk feiert, und wir hoffen, dass das Baby davon nicht gleich wieder aufwacht.
Diese CD gehört ohne Zweifel zu den schönsten Neuerscheinungen des Jahres; wer ein Faible für perfekt gespielte Gitarrenmusik hat, der sollte sie sich noch schnell mit auf den Gabentisch legen - es lohnt sich.

Bach: Weihnachtsoratorium; Fläming (Berlin Classics)

2011-12-22T08:57:00.000+01:00

Eine schöne Aufnahme von Bachs Weihnachtsoratorium aus den Jahren 1974/75. Angesichts der Besetzung ist man fast geneigt, sie historisch zu nennen: Es singen Arleen Augér, Sopran, Annelies Burmeister, Alt, Peter Schreier, Tenor und Theo Adam, Bass sowie der Dresdner Kreuzchor unter Martin Flämig. Und auch die Liste der Instrumentalisten enthält viele bekannte Namen, wie Karl Suske, 1. Solo-Violine, Eckart Haupt, 1. Solo-Flöte, Ludwig Güttler, Trompete oder Herbert Collum, Orgel; zudem musiziert die Dresdner Philhar- monie.
Natürlich würde man heute sicherlich einiges anders machen, aber die vielen exzellenten Musiker sorgen für eine Qualität, die diese Ein- spielung über manches stellt, was später und vermeintlich "historisch korrekt" aufgeführt worden ist. So bleiben diese drei CD nicht nur als Referenz hörenswert - und es ist schön, dass die Aufnahme bei Berlin Classics noch immer verfügbar ist.

Bach: Cantatas BWV 91 - 57 - 151 -122; Kuijken (Accent)

2011-12-21T22:36:00.000+01:00

Rechtzeitig zum Fest ist eine weitere Super Audio-CD aus der Bach-Kantaten-Edition des Labels Accent erschienen. Sigiswald Kuijken spielt dort mit seinem Ensemble La Petite Bande und handverlesenen Solisten einen exemplarischen Kantatenjahrgang ein - und ist mittlerweile bei Vol. 14 von 20 angekommen.
Diese CD enthält die Kantaten BWV 91 Gelobet seist du, Jesu Christ, eine Choralkantate zum ersten Weihnachtstag aus dem Jahre 1724, BWV 57 Selig ist der Mann für den zweiten Weihnachtstag 1725 - der zugleich der Namenstag des Märtyrers Stephanus ist, worauf sich diese Kantate bezieht -, BWV 151 Süßer Trost, mein Jesus kömmt, entstanden für den 27. Dezember 1725, und BWV 122 Das neugeborne Kindelein, eine Choralkantate, komponiert für den 31. Dezember, den ersten Sonntag nach Weih- nachten, 1724.
Den Debatten der Musikwissenschaftler um die korrekte Aufführungs- praxis setzt Kuijken diese Aufnahmen entgegen, ein musikalisches Experiment, bei dem er einige Annahmen erprobt. So verzichtet er auf den Einsatz des Violoncellos als Continuo-Instrument, und setzt statt dessen auf den Violone, ein großes Instrument aus der Gamben- familie, das als Vorläufer des Kontrabasses gilt. Die ersten und zweiten Geigen sind jeweils lediglich doppelt, die Viola ist sogar nur einfach besetzt. Und natürlich spielen auch die Bläser "historische" Instrumente, was freilich zu einigen ungewohnten Klangeffekten führt.
Statt der üblichen, mehr oder weniger behäbigen Kantorei singt hier nur ein Solistenquartett, das auch die Choräle und Eingangschöre mit übernimmt. Diese Aufnahme gewinnt dadurch vor allem an Bewegt- heit, Klarheit und Ausdruck - was Bachs Musik, die ja stark rhetorisch orientiert ist, sehr zustatten kommt. Gerlinde Sämann, Sopran, Petra Noskaiová, Mezzosopran, Christoph Genz, Tenor und Jan Van der Crabben, Bariton, musizieren miteinander und auch im Dialog mit den Instrumentalisten, dass es eine Freude ist. Hinreißend! Insbesondere Christoph Genz gestaltet seine Partie derart intelligent, dass man sich fragt, warum dieser Sänger in anderen Aufnahmen lang nicht so be- eindrucken konnte. Wahrscheinlich liegt es in dem ganz besonderen Zauber dieser Einspielung begründet; Kunst bedarf ja bekanntlich auch der Inspiration.
Endlich hört man einmal nicht Solisten, die irgendwie "begleitet" werden, sondern man erlebt das komplexe Gebilde Bach-Kantate als strukturelle Einheit, die durch Sänger und Musiker gleichermaßen gestaltet wird. Das klingt sicherlich sehr theoretisch, doch es ist wirklich eine Sternstunde, wenn man hier hörend nachvollziehen kann, wie eng Bach Stimmen und Instrumente verflochten hat. Kuijken und sein Ensemble arbeiten das ausgesprochen sorgsam heraus. Das ist mit Sicherheit die derzeit interessanteste Version der Bach-Kantaten - ich kann diese Edition nur begeistert empfehlen.

Meneghetti: Sonate e Concerti per violino (Tactus)

2011-12-20T22:34:00.000+01:00

"Scrisse musica, ma le di lui opere andarono smarrite, per lo che non si può attribuirgli quella lode che forse si è meritata", notierte Andrea Alverà 1827 in seinem Giornale biografico di Vicenza über Gaetano Meneghetti. "Nella esecuzione era fra i migliori d'Ita- lia. Emulo del Tartini, suonava per eccellenza il violino. Fu classico direttore d'orchestra ed abilissimo organista. Lustro e decoro dell'ar- te sua, visse onorato, e compì in età avanzata la sua mortale car- riera." In den Chroniken der Stadt Vicenza finden sich auch Angaben über weitere Mitglieder der Familie Meneghetti, die angesehene Musiker waren - darunter Antonio, der Vater Gaetanos, sowie sein Sohn Giovanni (1730 bis 1794).
Einige Werke aus dem Schaffen Gaetano und Giovanni Meneghettis sind als Manuskripte erhalten. Enrico Zavonello, der Gründer und Leiter des Archicembalo Ensembles, hat diese Quellen erschlossen und mit "seinen" Musikern sechs Sonaten von Gaetano sowie eine Sonate und ein Concerto von Giovanni Meneghetti eingespielt. Für die Solopartie konnte er Giovanni Guglielmo gewinnen, der bereits das komplette Werk für Violine von Giovanni Tartini eingespielt hat, und sich auch diesen wiederentdeckten Werken mit Engagement widmet. Das lohnt sich auch, denn es handelt sich durchaus um kleine Kostbarkeiten, musikalische Juwelen mit einer Vielzahl attraktiver Facetten, die ganz individuell funkeln und strahlen. Die Herren Meneghetti müssen exzellente Geiger gewesen sein - und leiden- schaftliche obendrein. Es wäre durchaus erfreulich, wenn aus den Archiven noch weitere Stücke dieser Musiker den Weg zurück auf die Bühne finden würden.

Kreuzchorvespern: Herr, wenn ich nur dich habe (Berlin Classics)

2011-12-20T17:07:00.000+01:00

"Geistliche Musik in der Zeit der Trauer und Zuversicht", steht als Motto über der vierten und letzten CD, die die Reihe der Kreuzchor- vespern komplettiert. Sie enthält eine Sammlung von Chorwerken, die an die Vergänglichkeit irdi- schen Lebens erinnern und zu- gleich Trost im Glauben verheißen.
Im Zentrum der CD steht das mo- numentale Wir sind Verlassene in der Zeit, eine Motette von Hans Huyssen, Jahrgang 1964, nach einem Text der französischen Philosophin Simone Weil. Dabei handelt es sich um ein Auftragswerk der Heinrich-Schütz-Gesellschaft in Süd- afrika, also aus dem Herkunftsland des Komponisten, das im Jahre 2002 in Dresden durch den Kreuzchor uraufgeführt worden ist. Darum gruppiert sind ähnlich gewichtige Motetten von Heinrich Kaminski (1886 bis 1946), Louis Spohr (1784 bis 1895) - beide haben Psalm 130 vertont - sowie Mitten wir im Leben sind von Felix Men- delssohn Bartholdy (1809 bis 1847). Komponisten aus dem mittel- deutschen Raum schufen die Werke aus dem 16. und 17. Jahrhundert, die diese CD vervollständigen - Heinrich Schütz, Johann Bach, Hans Leo Hassler, Johann Walter, Johann Hermann Schein und Johann Rosenmüller. Einzig Leonhard Lechner wirkte in Süddeutschland, doch er wäre gern Hofkapellmeister in Dresden geworden.
Die Kruzianer singen sehr ordentlich. Sämtliche Soli werden durch Mitglieder des Chores gesungen. Kreuzkantor Roderich Kreile baut auf den Traditionen des Chores auf, und entwickelt Klang und Repertoire eher behutsam weiter. Das ist in einer Stadt wie Dresden, wo um den Neubau einer Brücke jahrzehntelang vor Gerichten gestritten wird, mit Sicherheit eine kluge Strategie. Auch die Tat- sache, dass zwischen der Aufzeichnung der Motetten und ihrer Veröffentlichung zwei Jahre vergehen, zeigt doch, dass die sächsische Landeshauptstadt abseits ihrer Hightech-Industrie noch immer eine gewisse Beschaulichkeit schätzt.

Heiligste Nacht - Choral Music for Advent and Christmas (Carus)

2011-12-20T11:52:00.000+01:00

Wer eine CD mit Chormusik zur Weihnachtszeit sucht, die sich gänzlich abseits der ausgetretenen Pfade und der hundertmal gehör- ten Hits bewegt, der wird hier fündig. Der Carus Verlag hat aus seinem reichen Fundus einen ganz erstaunlichen Schatz an Motetten und Liedsätzen zusammengetra- gen, die eher den Raritäten zuzu- rechnen sind - andererseits aber den Hörer rundum durch hohe Qualität erfreuen. So findet sich Dieterich Buxtehude neben Charles Gounod, Max Reger neben Georg Philipp Telemann und Giovanni Alberto Ristori neben Johann Michael Haydn. Auch die Liste der Chöre und Orchester liest sich wie eine Garantieerklärung in Sachen Klanggenuss - und diese Verheißung löst die CD auch durchweg ein.
Besten Dank an die Verantwortlichen für die sorgsame Auswahl und Zusammenstellung! und meine Empfehlung an alle, die nach einer stimmungsvollen CD mit Chorklängen suchen, die man nicht sofort mitsummen kann. Hier ist sie - abwechslungsreich, durchweg wundervoll musiziert, und vielleicht zugleich als Anregung, die eine oder andere CD aus dem Hause Carus noch nachträglich zu erwerben.

Wetz: Ein Weihnachtsoratorium (cpo)

2011-12-19T22:21:00.000+01:00

"Meiner Musik geht es merkwür- dig", soll Richard Wetz (1875 bis 1935) gesagt haben: "wo sie er- klingt, ergreift sie aufs tiefste; aber es wird ihr selten Gelegenheit dazu gegeben." Geboren in Oberschle- sien, ging der junge Wetz nach dem Abitur zum Studium zunächst nach Leipzig und dann nach München, wo er sich bei Ludwig Thuille vor allem mit Kontrapunkt und Fuge auseinandersetzte.
Um den Broterwerb musste er sich offenbar nicht sorgen: Er arbeitete kurz als Theaterkapellmeister, und ging dann zurück nach Leipzig, wo er Partituren studierte. 1906 wurde Wetz Leiter des Musikvereins in Erfurt. Dort gefiel es ihm, und er blieb in der thüringischen Provinz bis an sein Lebensende. Wetz leitete Chöre, und er unterrichtete am Landeskonservatorium in Erfurt sowie an der Großherzoglichen Mu- sikschule zu Weimar, dem Vorläufer der heutigen Musikhochschule. Er gilt als einer der wichtigsten Liedkomponisten seiner Generation, schuf aber auch zahlreiche Chorwerke, drei Sinfonien, ein Violinkon- zert, Orgel- und Kammermusik.
Die vorliegende CD enthält sein Weihnachtsoratorium, das, neben Wetz' Requiem, als sein wichtigstes und reifstes Werk gilt. Es wurde 1929 in Erfurt erstmals aufgeführt - und wird auch hier vom Dom- bergchor Erfurt und vom Philharmonischen Chor Erfurt vorgetragen, sowie von der Sopranistin Marietta Zumbült, Dozentin für Gesang an der Franz Liszt Musikhochschule Weimar, und Máté Sólyom-Nagy, Bariton, engagiert am Erfurter Theater. Zu hören ist zudem das Thü- ringische Kammerorchester Weimar - das aus Musikern der Staats- kapelle besteht. Und die Leitung hat George Alexander Albrecht, der sich als Chefdirigent der Staatskapelle Weimar unter anderem für das Werk Furtwänglers und Pfitzners eingesetzt hat. Auch Bruckner, Mahler und Liszt gehören zu seinen Favoriten - ideale Voraussetzun- gen für die Auseinandersetzung mit Wetz' Werk.
Das Weihnachtsoratorium auf altdeutsche Gedichte op. 53 erzählt die Weihnachtsgeschichte nicht, es setzt sie voraus und kommentiert eher, als zu schildern. Wetz' musikalisches Vokabular ist grundsätz- lich das der Spätromantik, aber sein Umgang damit beeindruckt, weil er es durchaus eigensinnig und ziemlich originell einsetzt. Das macht dieses Werk interessant - und vielleicht wird man es zukünftig auch außerhalb von Thüringen hier und da hören. Seine Wiederentdeckung lohnt sich, wie diese Aufnahme beweist.

Sweelinck: Cantiones Sacrae (Glossa)

2011-12-18T17:08:00.000+01:00

Es ist doch erstaunlich, welch einen Klangkosmos man mit lediglich fünf Sängern erschaffen kann. Die Cantiones Sacrae, von Jan Pieterszoon Sweelinck (1653 bis 1621) veröffentlicht im Jahre 1619, gehören ohne Zweifel zum Schönsten, was jemals an Vokal- musik erdacht worden ist. Wenn Engel singen, dann muss das wohl so ähnlich klingen wie diese Motet- ten, die nun endlich komplett auf CD vorliegen. Allein das Alleluja, das in vielerlei Varianten den Abschluss etlicher dieser Werke bildet, ist ein Genuss.

Das Gesualdo Consort Amsterdam singt traumhaft schön, und ver- schafft mit der Gesamteinspielung seiner Werke Sweelinck endlich das verdiente Denkmal, das ihm Amsterdam, wo er an der Oude Kerk aus Organist wirkte, schon längst hätte errichten sollen. Nun ist es ein klingendes Denkmal geworden - und so haben wir alle etwas davon. Diese Doppel-CD gibt Zeugnis von Sweelincks herausragender Beherrschung des Kontrapunktes sowie seinem außergewöhnlichen Sinn für die Auslegung von Texten mit musikalischen Mitteln. Ein gelungener Begleittext des Sweelinck-Spezialisten Pieter Dirksen vervollständigt diese Würdigung des Komponisten.

Buxtehude: Scandinavian Cantatas (Dacapo)

2011-12-18T16:12:00.000+01:00

Dieterich Buxtehude (1637 bis 1707) wirkte als Organist zunächst an der Marienkirche Helsingborg, dann an der Marienkirche von Helsingor; 1668 wurde er dann der Nachfolger von Franz Tunder als Organist und Werkmeister der Marienkirche in Lübeck. Dort wirk- te er bis an sein Lebensende.
Vokalmusik zu komponieren, war eigentlich nicht Bestandteil seiner Dienstaufgaben. Dennoch sind über 120 Werke verschiedener (geistlicher) Genres in vier Spra- chen überliefert. Paul Hillier hat auf dieser CD mit dem Theatre of Voices, der TOV Band und Bine Bryndorf, Orgel, eine illustre Auswahl daraus getroffen - vom Domine salvum fac regem, einem üppig aus- gelegten geistlichen Konzert, das wohl für den schwedischen Königs- hof entstanden ist, bis hin zu dem eindrucksvollen Lamento Att du Jesu vill mig höra.
Sie wird ergänzt durch zwei Orgelstücke des Meisters, die Bine Bryndorf auf der Orgel der Marienkirche in Helsingor eingespielt hat. Dabnei handelt es sich zum einen ein das Präludium in e-Moll, im sogenannten stylus phantasticus frei gestaltet, und die Passacaglia in d-Moll, einem Beleg für die Meisterschaft des Komponisten auch in der strengen Form.
Die Aufnahme ist exzellent, und die Musik ist von einer Qualität, die einen verstehen lässt, warum ein Johann Sebastian Bach einst von Arnstadt nach Lübeck mehr als 400 Kilometer gelaufen ist, um bei Buxtehude lernen zu können. Bravi!

Händel: Große Chorwerke (EMI Classics)

2011-12-15T22:16:00.000+01:00

Chormusik hat Georg Friedrich Händel ein Leben lang begleitet. Diese Box aus dem Hause EMI Classics fasst wichtige Werke in mustergültigen Einspielungen zusammen.
Ohne Zweifel das berühmteste davon ist Messiah, hier zu finden in einer Aufnahme aus dem Jahre 1966 mit den Ambrosian Singers und dem English Chamber Orchestra unter Charles Mackeras. Als Händel sein Bestreben, die italienische Oper in England zu etablieren, gescheitert sah, schuf er aus der traditionellen Masque und dem italienischen geistlichen Oratorium ein neues Genre - das er ebenfalls als Oratorium bezeichnete. Doch gesungen wird in engli- scher Sprache, die Handlung entstammt der Bibel, und der Text wird eher deklamiert, er ist nicht länger überwiegend Medium für hoch- virtuosen Gesang. Der Prototyp dafür, das Oratorium Saul aus dem Jahre 1739, war enorm erfolgreich. Dieses Werk ist ebenfalls in der vorliegenden Box enthalten, in einer Aufnahme von 1979/80 mit dem Choir of King's Colege, Cambridge und dem English Chamber Orchestra unter Philip Ledger.
Zum Fest der Heiligen Cäcilia, der Schutzpatronin der Musik, führte die Musical Society of London seit 1683 alljährlich eine Ode auf. Auch Händel schrieb eine solche Cäcilienode - Alexander's Feast nach einem Text von John Dryden. Leider geriet das Libretto für eine abendfüllende Vorstellung etwas zu kurz, und deshalb kombinierte Händel das Werk mit anderen Stücken - 1751 beispielsweise mit der Kantate The Choice of Hercules. In dieser Kombination findet es sich auch in der CD-Box, gesungen vom Choir of King's College, Cambrid- ge, einmal in einer Aufnahme aus dem Jahre 1978 mit dem English Chamber Orchestra und einmal in einer Aufzeichnung von 1974 mit der Academy of St Martin in the Fields unter Philip Ledger.
Als Königlicher Hofkomponist hatte Händel zudem Zeremonialmusi- ken zu liefern - so komponierte er 1727 die Coronation Anthems für die Krönung Georgs II., hier eingespielt 1982 mit dem Choir of King's College, Cambridge und dem English Chamber Orchestra unter Philip Ledger. Für Siegesfeiern schuf er 1743 das Dettinger Te Deum , und 1747 das Oratorium Judas Maccabaeus. Sie sind in dieser CD-Box in Aufnahmen aus dem Jahre 1963 mit dem Süddeutschen Madrigalchor und dem Südwestdeutschen Kammerorchester unter Leitung von Wolfgang Gönnenwein bzw. aus dem Jahre 1959 mit dem Chor der
St. Hedwigs-Kathedrale Berlin und den Berliner Philharmonikern unter Karl Forster enthalten.
Als junger Musiker in Rom schrieb Händel, selbst Protestant, zudem katholische Kirchenmusik. So entstand für Kardinal Colonna der Psalm Dixit Dominus. Auch er wurde in diese Box mit aufgenommen, in einer Einspielung mit dem Choir of King's College, Cambridge, von 1982 mit dem English Chamber Orchestra unter David Willcocks.
Auch wenn es mittlerweile natürlich modernere Aufnahmen gibt - diese alten Einspielungen, mit zahlreichen herausragenden Solisten, haben durchaus ihren Charme. Und so freut man sich, dass EMI Classics diese Raritäten wieder aus seinen Archiven geholt hat und nun, sorgsam remastert, dem Musikfreund unter den Tannenbaum legt.

Weihnachtskonzerte (Capriccio)

2011-12-15T20:57:00.001+01:00

Aus Bologna stammt der Brauch, Weihnachten mit einem Konzert zu feiern. Dort gab es eine riesige Basilika mit einem Orchester, in dem an Feiertagen mehr als hun- dert Musiker spielten - was die Gottesdienste ohne Zweifel zu einem Ereignis werden ließ.
Der Raum aber hatte ein beträcht- liches Echo, und die Musiker waren wohl teilweise auch nicht beson- ders versiert. Das führte dazu, dass die Tutti prägnante, gravitätische Partien bekamen - und Solisten die bewegten, verzierten Abschnitte. Musiker aus Bologna aber führten diesen Brauch auch andernorts ein, wenn sie eine Stelle annahmen - und so wurden diese barocken Konzerte "fatto per la notte di natale" mit ihrer kunstvoll imitierten Hirtenmusik auch in Rom, in Wien, in Dresden, Amsterdam, ja, selbst in London Mode.
Diese CD versammelt Weihnachtskonzerte von Arcangelo Corelli, Pietro Antonio Locatelli, Giuseppe Torelli, Francesco Onofrio Manfre- dini, Johann Melchior Molter und Gregor Joseph Werner. Auch Georg Friedrich Händel ist mit seiner Pastorale aus dem Messias vertreten. Die Aufnahme stammt aus dem Jahre 1992. Es musiziert das Neue Berliner Kammerorchester unter Michael Erxleben, der gemeinsam mit Knut Zimmermann auch die Violinsoli spielt. An der Orgel zu hören ist Hans-Peter Kirchberg. Von der melancholisch-misslunge- nen Hülle sollte man sich nicht abschrecken lassen; die CD ist durch- aus hörenswert.

Christmas Music by Michael Praetorius (Helios)

2011-12-15T16:51:00.000+01:00

Hier ist noch einer der legendären britischen Chöre zu hören - The Choir of Westminster Cathedral hat diese Aufnahme im Januar 1986 gemeinsam mit The Parley of Instruments unter David Hill ein- gespielt. Auch wenn sie mittler- weile schon etwas Patina angesetzt hat, so gehört sie doch noch immer zu den schönsten Weihnachts-CD. Die Weihnachtslieder von Michael Praetorius (1571 bis 1621) sind immer wieder faszinierend, und wenn sie so traumhaft musiziert werden wie hier, verbreitet dies nahezu automatisch Weihnachts- stimmung.

Bach: Cantatas; Suzuki (BIS)

2011-12-15T16:38:00.000+01:00

Die Bach-Kantatenedition des Bach Collegiums Japan unter Masaaki Suzuki ist mittlerweile bei Super Audio-CD Nummer 50 angekom- men. Die Rezensentin hat in die CD 47 und 49 hineingehört, und war erneut begeistert. Hier wird wirk- lich auf dem allerletzten, absolut aktuellen Stand der Forschung fundiert musiziert. Doch dabei kom- men weder der Ausdruck noch die Andacht zu kurz. Diese Aufnahmen haben eine ganz er- staunliche Ausstrahlung, die weit über die pure musikalische Brillanz hinausgeht.
Suzuki setzt auf ein Mini-Ensemble; die Solisten werden durch einige wenige Ripienisten unterstützt, und auch das Orchester und das Con- tinuo sind außerordentlich schlank besetzt. Das hindert die Musiker aber nicht daran, beispielsweise in der Kantate Gott, wie dein Name, so ist auch dein Ruhm zum Neujahr BWV 171 eine faszinierende Klangpracht zu entwickeln. Dies ist ohne Zweifel derzeit die beste Bach-Kantateneinspielung auf dem Markt - auch wenn die Bläser nicht durchweg der reine Genuss sind. Unbedingt zu empfehlen!

In A Jazzymental Christmas Mood (Edel)

2011-12-13T21:39:00.001+01:00

Weihnachten ist wieder "in"; auch bei Jazzmusikern sowie Rock- und Popstars geht der Trend zum Christmas-Song. So enthält auch diese Kompilation neben Weih- nachtsklassikern in mehr oder minder angejazzten Arrangements zahlreiche Originalkompositionen namhafter, überwiegend amerika- nischer Musiker. Die Titel sind mit Sorgfalt ausgewählt, gut sortiert, und werden per Softmix dezent ineinandergeblendet. Und weil diese Zusammenstellung wirklich Hörgenuss bereitet und Weihnachtsstimmung verbreitet, freut man sich darüber, dass sie sogar aus zwei CD besteht. Und die kann ich nur empfehlen!

On Christmas Night (Chandos)

2011-12-12T21:54:00.000+01:00

16 Chorsänger plus vier Sänger auf Probe gehören dem Choir of St John's College in Cambridge an. Er besteht seit dem 17. Jahrhundert, und gehört zu den berühmtesten Chören der Welt. Die Jungs musi- zieren in den Gottesdiensten - und dafür wird ihnen im Gegenzug der größte Teil ihrer Schulgebühren er- lassen. Altus, Tenor und Bass stel- len die älteren Semester; zu diesen 15 sogenannten Choral Scholars gesellen sich zudem noch zwei Organ Scholars, die dem Director of Music assistieren und Gottesdienste an der Orgel begleiten. Gemeinsam mit dem Orchester St John's Sinfonia führt der Chor im Rahmen der Liturgie regelmäßig Bach-Kantaten auf. Für die vorlie- gende Super Audio-CD konzentrieren sich die Sänger und Musiker aber - mit wenigen Ausnahmen - auf jene Lieder, die auch Bewohner des Kontinents unschwer als "very british" identifizieren werden. Dass manche Traditionen auf der Insel sehr lebendig sind, wird der Zuhö- rer anhand der vielen respektvoll-modernen Chorsätze feststellen. Und natürlich am Chorklang, der eine Klasse für sich ist - auf dem Festland klingen Knabenchöre gänzlich anders. Das ist spannend - unbedingt reinhören!

Loriots Peter und der Wolf / Karneval der Tiere (Deutsche Grammophon)

2011-12-12T13:26:00.001+01:00

Ein Klassiker zum Liebhaben: Loriots augenzwinkernde Texte, frei nach Sergej Prokofjew und - sehr einfühlsam - als Kommentar zu Der Karneval der Tiere von Camille Saint-Saens.
Über die 64 Uhus, die im Orchester spielen und von einem Marabu dirigiert werden, und über die zwei Eichhörnchen, die dazu auf dem Klavier herumspringen, werden sich wohl noch Generationen köst- lich amüsieren. Es sind charmante, bezaubernde Texte, voll Poesie und auch ein bisschen frech, unnachahmlich gesprochen von Loriot höchstselbst.
Die Musik zu Peter und der Wolf spielt das English Chamber Orchestra unter Daniel Barenboim; auch da findet sich nichts, was das Vergnü- gen trübt. Für den Karneval der Tiere erfolgte seinerzeit die Über- nahme eines Bandes aus dem Jahre 1960 von Decca; es musizieren Julius Katchen und Gary Graffman, Klavier, Kenneth Heath, Violon- cello und das London Symphony Orchestra unter Skitch Henderson. Diese Aufnahme hat, trotz Remastering, unüberhörbar ihre Jährchen auf dem Buckel. Das wirkt hier allerdings nicht wirklich störend, weil man ohnehin mehr auf die Worte Loriots lauscht.
Und weil man davon nie genug hören kann, hat die Deutsche Gram- mophon diese Edition um Max und Moritz von Wilhelm Busch er- gänzt, einzigartig vorgetragen ebenfalls von Vicco von Bülow. Eine gewisse geistige Verwandtschaft ist da unüberhörbar. Und noch etwas wird einem schlagartig klar, im Zeitalter der Mario Barths: Loriots wundersamer Humor, er wird uns fehlen.

Verleih uns Frieden gnädiglich (Deutsche Harmonia Mundi)

2011-12-10T21:40:00.000+01:00

"Ein neues Bedürfnis nach Besin- nung und Einhalten scheint in großen Teilen der Bevölkerung die Folge eines kulturellen Unbeha- gens zu sein: Man kann nicht wirklich dem Tempo der Zeit standhalten, immer läuft man hinter den Entwicklungen der Gesellschaft her", stellt Hille Perl fest. Mit ihrem Weihnachtsalbum, das sie "Für die Kinder" produziert hat, geht sie zurück auf die ganz alten Weihnachtslieder. "Wir er- zählen den Kindern und Enkeln von unserer Zeit als Kinder und Enkel - und natürlich singen wir mit ihnen die alten Lieder - versuchen dem akustischen Jingle-Bells-Terrorismus der Einkaufsstraßen zu ent- kommen und irgendetwas von unserer wahrhaft großartigen musi- kalischen Tradition zu vermitteln; etwas, das gleichzeitig komplex und einfach ist, das vor Schönheit und Klarheit strahlen kann, ohne platt zu sein: wo aus Kindertagen bekannte Melodien zum Mit- summen einladen und doch in kontrapunktischer Abwechslung das Ohr erfreuen", so die Musikerin.
Sie hat sehr viel Sorgfalt auf die Vorbereitung und Zusammenstellung dieser CD verwendet. Es ist ein wundervolles, ruhiges Album gewor- den - ich finde, es ist eine der schönsten Neuerscheinungen zum Fest in diesem Jahr. Im Zentrum steht die eindringliche Bitte um Frieden - die auch gleich mehrfach vorgetragen wird, in unterschiedlicher musikalischer Gestalt. "Auf der Suche nach der Engelsstimme, die mir für diese CD im Kopf klang, traf ich auf Anna Maria Friman - ein kur- zer Zweifel, ob Annas nicht komplett lupenreines Deutsch womög- lich meine preußisch-lutherische Erwartungshaltung trüben könne, wurde binnen Minuten hinweggefegt. Ihre klare, unschuldige und doch reife Stimme und ihre unbestechliche Persönlichkeit warfen mich um", meint Perl. "Im Nachhinein ist mir klar, dass alle echten Engel einen leicht schwedischen Akzent haben müssen - egal, in welcher Sprache sie uns singen." Dem hat auch die Rezensentin tat- sächlich nichts hinzuzufügen.
Hille Perl, Gambe, und ihr Lebensgefährte Lee Santana, Lauten- instrumente, spielen gemeinsam mit den Sirius Viols. Sie, so die Musikerin, "haben mit mir zusammen die musikalische Detailarbeit gemacht, die Verflechtungen der Choräle mitgestaltet, die Strophen ausgewählt, so ist unser aller Herzblut hineingeflossen, auf dass wir ein friedliches Weihnachten/Chanukka/Solstice/Zuckerfest oder was auch sonst feiern mögen, mit Ihnen allen."

Christmas - The Netherlands Bach Society (Channel Classics)

2011-12-10T17:52:00.000+01:00

Weihnachten mit The Netherlands Bach Society - wobei sich das Ensemble diesmal nicht die Mühe gemacht hat, eine CD einzuspielen. Dies ist eine Kompilation aus sechs älteren Veröffentlichungen, die sämtlich von der Kritik hoch gelobt wurden, wie das Beiheft belegt.
Wie nicht zuletzt der Name des von Jos van Veldhoven geleiteten En- sembles vermuten lässt, sind unter den musikalischen Häppchen, die hier zum Menü kombiniert wur- den, ziemlich viele aus der Feder von Johann Sebastian Bach. Ob man allerdings das Magnificat in Einzelsätzen hören möchte, vermischt mit diversen Weihnachtsliedern und Einzelteilen aus der h-Moll-Messe, das mag jeder selbst entscheiden.

recital - Takeo Sato (Raccanto)

2011-12-10T17:41:00.000+01:00

Takeo Sato begann bereits im Kin- desalter, Gitarre zu spielen. Den ersten Unterricht gab ihm sein Vater, der Gitarrenbauer Kazuo Sato. Schon vor Beginn seines Musikstudiums hat Takeo Sato einige der wichtigsten Wettbewer- be gewonnen; dennoch hat der junge Musiker sehr viel Zeit und Sorgfalt in seine weitere Ausbil- dung investiert.
Dieser Aufwand war nicht vergeb- lich, wie seine Debüt-CD beweist. Sie zeigt einen handwerklich überaus souveränen und musikalisch reifen, ausdrucksstarken Solisten, der sich sowohl in der sogenannten Alten Musik als auch in der Moderne sicher bewegt. Es bereitet Freude, diesem jungen Gitarristen zuzuhören. Sato spielt übrigens ein phantastisches Instrument aus der Werkstatt seines Vaters. Diese Gitarre begeistert, weil sie so herrlich singen kann - und durch ein enormes Spektrum an Klangfarben, das der Solist abrufen kann.

Durante: Neapolitan Christmas (cpo)

2011-12-09T21:19:00.000+01:00

Francesco Durante (1684 bis 1755) gehört zu den bedeutendsten nea- politanischen Kirchenkomponi- sten, und war zugleich einer der führenden Musikpädagogen seiner Zeit. Zu seinen Schülern gehörten unter anderem Giovanni Paisiello, Giovanni Battista Pergolesi, Nicco- lò Picchini - und viele andere. Seine Werke wurden in ganz Europa geschätzt. Sie erklangen in den Kathedralen der Niederlande ebenso wie in Böhmen oder am Hofe der sächsischen Kurfürsten. Sogar Johann Sebastian Bach kopierte sich die Noten einer Messe Durantes.
Die Kölner Akademie, geleitet von Michael Alexander Willens, hat nun für cpo einige seiner Werke eingespielt - und zwar speziell diejenigen, die sich mit dem Weihnachtsfest in Verbindung bringen lassen. Es handelt sich dabei um wunderschöne Musik, sehr traditionsbewusst, aber auch kühn und modern komponiert. Diese Kombination macht die Werke ausgesprochen reizvoll. Durante hat offenbar nie eine Oper geschrieben - und vermeidet auch in der Kirchenmusik opernhafte Effekte; dabei setzt er aber durchaus die Singstimme eindrucksvoll in Szene.
Das lohnt sich auch, denn die Sänger, die an dieser Aufnahme mit- gewirkt haben, sind durchweg hörenswert. Roberta Mameli, Ursula Eittinger, Andreas Post und Stephan MacLeod lassen gemeinsam mit der Kölner Akademie die musikalischen Juwelen glitzern und funkeln, die Durante einst zu Papier gebracht hat. Bravi!

Dort zwischen Ochs und Eselein (Querstand)

2011-12-09T14:07:00.001+01:00

Leipzig ist noch immer eine Musikmetropole. Das merkt man nicht zuletzt auch daran, dass dort selbst der Nachwuchs mit einer Qualität musiziert, die man andernorts so nicht findet. Auf dieser CD beispielsweise ist das Jugendsinfonieorchester der Musikschule Leipzig "Johann Sebastian Bach" zu hören, das von Ron-Dirk Entleutner geleitet wird - und die Jugendlichen spielen durchaus schon fast wie Profis. Dieses Musikschulorchester klingt so gar nicht nach Lernen und Ausprobieren; so manche Stadt wäre sicherlich froh über einen solchen Klangkörper.
Das Mendelssohn-Quartett ist eines von ziemlich vielen Streichquar- tetten in der Pleißestadt. Es hat sich unter anderem der Pflege der Musik seines Namenspatrons verschrieben, und ist regelmäßig im Gewandhaus sowie in einer eigenen Konzertreihe im Mendelssohn- haus zu erleben. Auch mit dem Gewandhauskinderchor arbeitet das Quartett seit Jahren zusammen. Zu hören ist auf dieser CD zudem die Flötistin Gudrun Hinze, Solo-Piccoloflötistin im Gewandhaus- orchester zu Leipzig sowie im Orchester der Bayreuther Wagner-Festspiele.
Der Gewandhauskinderchor aber übernimmt den wichtigsten Part
auf dieser CD. In dem Ensemble, das seit 1973 besteht, singen derzeit 80 Kinder im Alter zwischen 9 und 18 Jahren; im Nachwuchschor werden weitere 50 Kinder, die jünger sind, an die Aufgaben herange- führt, die die "Großen" bereits übernehmen. Der Chor wird derzeit von Frank-Steffen Elster geleitet. Er ist nicht nur ein erfahrener Sänger und Chorpädagoge, sondern offenbar auch ein ambitionierter Kom- ponist - zahlreiche Chorsätze auf dieser CD stammen von ihm. Ob man sie mag, das ist Geschmackssache, ich finde sie etwas spröde. Die Mädchen und Jungen des Gewandhauskinderchores singen routiniert; man würde sich aber mehr Ausdruck und Schwung wünschen. Wenn Qualität zu Lasten der Musizierlust geht, dann finde ich das bedenk- lich.

Pandolfi: Sonate à Violino solo. Opera quarta (Arcana)

2011-12-08T20:53:00.000+01:00

"So little information about Gio- vanni Antonio Pandolfi Mealli survives that an inquisitive liste- ner might be forgiven for suspec- ting that he was invented by a mischievous musicologist one wet Wednesday", schmunzelte der Geiger Andrew Manze 1999, als er für Harmonia Mundi USA Violin- sonaten Pandolfis einspielte.
Mittlerweile ist ein bisschen mehr bekannt, vor allem auch durch die akribische Spurensuche des Musik- historikers Fabrizio Longo. Er hat herausgefunden, dass Antonio Pandolfi am 17. Januar 1629 in der Toskana, und zwar in Montepul- ciano, getauft worden ist. Irgendwann ging dann seine Familie nach Venedig, wo sein Halbbruder Giovanni Battista Mealli als Kastrat an San Marco sang. 1660 erschienen bei einem Innsbrucker Noten- drucker seine Solosonaten; der Titel nennt als Autor D. Giovanni Antonio Pandolfi Mealli - und in der Tat scheint der Musiker den geistlichen Stand gewählt zu haben.
Später findet man ihn als Violinisten in der Domkapelle von Messina. Dort musste er 1675 flüchten - und eine Lokalchronik verrät auch den Grund: Während einer feierlichen Messe am Morgen des 21. Dezem- ber stritt sich Pandolfi mit dem Altkastraten Giovanni Marquett. Dabei geriet er so in Rage, dass er dem Sänger das Rapier von der Seite riß und ihn damit durchbohrte. Stunden später erlag Marquett seiner Verletzung; Pandolfi entwich auf einem französischen Schiff und reiste über Frankreich nach Spanien. Dort wirkte er 1679 und 1680 nachweislich als Violinist der königlichen Hofkapelle.
Der Chronist berichtet, Pandolfi sei am spanische Hof wegen seines Könnens sehr geschätzt worden, und habe dort bis zu seinem Tode als Priester und Musiker gewirkt. Noch unklar bleibt, wann und wo der Violinist letztendlich gestorben ist.
Der österreichische Geiger Gunar Letzbor hat nun mit seinem En- semble Ars Antiqua Austria Pandolfis Sonate à Violino solo. Opera quarta eingespielt. Sie sind durchweg bestimmten Personen gewid- met; nicht alle davon hat man bereits erkannt. Bei der Gestaltung der Werke hat sich Pandolfi erstaunliche Freiheiten eingeräumt. Die Sonaten sind sämtlich sehr expressiv, und wirken teilweise wie improvisiert. Sie erinnern insgesamt stark an den stylus phantasti- cus, jede Sonate ist anders, und keine einzige folgt erkennbar for- malen Normen. Letzbor erkundet gemeinsam mit seinen großen Continuo-Ensemble diese seltsamen Werke. Gemeinsam mit Jan Krigovsky, Violone, Daniel Oman, Colascione, Pierre Pitzl, Gitarre, Hubert Hoffmann, Erzlaute und Norbert Zeilberger, Cembalo und Orgel, hat Letzbor nach Klangfarben gesucht, die den Ausdruck dieser großartigen Musik unterstreichen und unterstützen. Diese Aufnahme ist ganz phantastisch; auf die Fortsetzung darf man gespannt bleiben.

The Britannic Organ, Vol. 2 - A Christmas Voyage (Oehms Classics)

2011-12-08T11:42:00.001+01:00

Wenn es sich schon nicht vermei- den lässt, das Weihnachtsfest fern der Familie zu verbringen, dann wird zumindest kräftig gefeiert. Das galt früher fast noch mehr als heute: Als es noch keine Flugzeuge gab, und Fernreisen faktisch nur per Schiff möglich waren, wurde kein anderes Fest an Bord so feierlich begangen wie dieses. Darum bereitete auch die Firma Welte aus Freiburg/Br. für ihre Welte-Philharmonie-Orgel, die ja unter anderem auf dem Schiff Britannic eingebaut werden sollte - ausführliches dazu findet sich hier im Blog unter Vol. 1 - ein umfang- reiches Repertoire vor, pastorales Idyll und Glöckchenklang inklu- sive.
Dementsprechend viele Rollen mit Musik zur Weihnachtszeit, einge- spielt von großen Organisten aus Frankreich, England und Deutsch- land, befinden sich in der Sammlung des Museums für Musikautoma- ten im schweizerischen Seewen. Auf dieser CD sind diese Aufzeich- nungen aus einer Zeit, da es noch keine Schallplatten gab, nun erst- mals wieder zu hören. So also hätte ein Weihnachtsprogramm an Bord der Britannic klingen können, wenn sie denn jemals als Passagier- dampfer im Linienbetrieb über die Meere gefahren wäre. Toll!

Libera - The Christmas Album (EMI Classics)

2011-12-08T11:10:00.000+01:00

Ein Kirchenchor? Das klingt wenig sexy, und die Aussicht darauf, im Gottesdienst singen zu dürfen, lockt heutzutage kaum noch einen Teenager aus dem Haus zur Probe. Robert Prizeman, Kantor der Kirchengemeinde St. Philipps im Süden von London, hatte da eine geniale Idee, mit der es ihm gelungen ist, seine Chorknaben nicht nur zum allsonntäglichen frühen Aufstehen zu motivieren: Aus dem Knabenchor wurde das Ensemble Libera, und aus Chorknaben wurden Popstars, die mittlerweile sogar eine deutsche Fan-Homepage feiert.
Nur eine Weihnachts-CD fehlte bislang - was Libera und EMI Classics aber nun geändert haben. Hier ist The Christmas Album, mit den bekannten glockenreinen Knabenstimmen, populären Arrangements populärer Weihnachtslieder, und einer großen Portion Hall - besten Dank an die Aufnahmetechnik! Wer auf viel Puderzucker steht, der wird diese CD lieben.

Kreisler: The Complete Recordings Vol. 3 (Naxos)

2011-12-08T10:14:00.000+01:00

Fritz Kreisler (1875 bis 1962) ge- hört ohne Zweifel zu den bedeu- tendsten Violinvirtuosen seiner Generation. Er stammte aus Wien, und erhielt von seinem Vater, einem Arzt, ab dem vierten Lebensjahr den ersten Geigen- unterricht. Ab 1882 lernte er am Konservatorium der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien; Josef Hellmesberger junior und Anton Bruckner zählten dort zu seinen Lehrern.
Drei Jahre später wechselte er an das Pariser Konservatorium, wo er unter anderem Violine bei Lam- bert Joseph Massart und Komposition bei Léo Delibes und Jules Massenet studierte, und 1887 mit dem Premier Prix ausgezeichnet wurde. 1888/89 ging er gemeinsam mit dem Pianisten Moriz Rosen- thal auf seine erste Tournee durch die USA. Wer nachrechnet, wird feststellen, dass Kreisler da 13 bzw. 14 Jahre alt war.
Der Violinvirtuose verbrachte viele Jahre seines Lebens auf Konzert- reisen. 1938 wurde Kreisler französischer Staatsbürger; 1939 ging er in die USA, und nach Europa kehrte er bis an sein Lebensende nicht zurück. In den Jahren 1904 bis 1946 spielte Kreisler mehrere hundert Schallplatten ein. Diese Aufnahmen erscheinen nunmehr bei Naxos - und auf CD 3, die Einspielungen aus den Jahren 1914 bis 1916 zusam- menfasst, ist der Geiger sogar am Klavier zu hören.
Obwohl heute kein Mensch mehr so spielt, kann man sich der Faszi- nation dieser historischen Aufnahmen nicht entziehen. Kreisler hat einen ganz eigenen Ton, warm und sehr ausdrucksstark. Man hört seine Versionen von Gott erhalte Franz den Kaiser, oder auch das Bach-Doppelkonzert, das er gemeinsam mit Efrem Zimbalist einge- spielt hat, und versteht, warum das Publikum einst so begeistert war. Dass lang nicht jeder Ton sauber klingt, dass so mancher Lagenwech- sel knapp daneben landet - all das spielt keine Rolle. Kreisler macht das mühelos durch Ausstrahlung wett. Schade, dass er 1941 nach einem Unfall das Musizieren weitgehend aufgegeben hat. Es wäre interessant gewesen, zu erleben, wie er seinen doch sehr persönlichen Stil den Veränderungen angepasst hätte, die sich am Musikmarkt nicht zuletzt durch die Weiterentwicklung der Aufzeichnungstechnik ergeben haben.

Berühmte Musik für Bläser (Berlin Classics)

2011-12-07T21:23:00.000+01:00

Prachtvolle Bläsersätze bringt diese CD mit dem Blechbläser- ensemble Ludwig Güttler. Dabei konzentriert sich diese Kompila- tion mit Aufnahmen aus den Jahren 1987 und 2001 auf die Zeitspanne zwischen Giovanni Gabrieli (1557 bis 1613) und Johann Sebastian Bach (1685 bis 1750) - wobei natürlich, auch wenn das mit Sachsen eigentlich wenig zu tun hat, Händels Feuer- werksmusik nicht ausgelassen wird.
Ansonsten zeigt die CD die Verbindungen zwischen Italien, speziell der venezianischen Mehrchörigkeit, und dem Musizieren am sächsi- schen Hofe: "Es ist mir wichtig", so Güttler, "dass die musikalische Straße Venedig - Wien - Dresden immer wieder hörbar gemacht wird. Gabrieli ist mit seinem weiten Wirkungskreis ein signifikantes Beispiel dafür." Denn der Musiker prägte über seinen Schüler Heinrich Schütz die Musik in Sachsen für einen Zeitraum von gut 50 Jahren ganz entscheidend.
Güttler und seine Ensembles haben sich stets darum bemüht, die Musik dieser Zeit wieder auf das Konzertpodium und in die Kirchenräume zu bringen. Diese CD vereint einige der schönsten Bläsersätze, die sein Blechbläserensemble seit Jahren spielt.

Humperdinck: Hänsel und Gretel (EMI Classics)

2011-12-07T16:35:00.000+01:00

Dies ist das Dokument eines Ex- perimentes: Bei seiner EMI-Ein- spielung 1974 ging Heinz Wallberg das Risiko ein, die Partien der Kinder tatsächlich mit Kindern zu besetzen. Doch Brigitte Lindner und Eugen Hug singen grandios, und auch Ursula Roleff und Thomas Frohn können sich als Sand- bzw. Taumännchen hören lassen. Sie kommen gegen das groß besetzte Orchester erstaunlich gut an, und musizieren wie die Profis.
Das ist keinesfalls selbstverständ- lich, denn Hänsel und Gretel sind mitnichten kleine Partien; so etwas will erst einmal bewältigt werden. Aber die beiden Teenager, die diese Rollen singen dürfen, machen das mit soviel Ausdruck und Musizier- lust, dass man sich fragt, warum nie wieder jemand eine solche Besetzung gewagt hat.
Als Knusperhexe, man halte sich fest, ist Edda Moser zu hören. Und auch die Rollen von Mutter und Vater werden durch Ilse Gramatzky und Hermann Prey großartig verkörpert. Das macht diese Aufnahme zu einem derartigen Hörvergnügen, dass man dem Gürzenich-Orche- ster Köln gern den einen oder anderen krummen Ton verzeiht. Natürlich sind andere Einspielungen moderner - aber diese hier begeistert durch ihre Authentizität. Bravi!

Wilhelm Friedemann Bach: Kantaten (Capriccio)

2011-12-07T16:16:00.000+01:00

Wilhelm Friedemann Bach (1710 bis 1784) war der älteste Sohn Johann Sebastian Bachs. Er lernte das Violinspiel bei Johann Gottlieb Graun; Unterricht im Fach Kompo- sition sowie im Orgel- und Cemba- lospiel dürfte ihm sein Vater gege- ben haben.
Nach einem Studium der Fächer Jura, Mathematik und Philosophie an der Leipziger Universität wirkte Bach zunächst als Organist an der Dresdner Sophienkirche. 1746 wurde er Musikdirektor und Orga- nist an der Marienkirche in Halle/Saale. Leider kam er mit der Obrig- keit nicht zurecht. Das Kirchenkollegium rügte ihn wegen seines "ungebührlich bezeigeten Betragens, und seiner Vergessenheit der schuldigen Subordination".
1764 kündigte der "Hallesche Bach" seine Anstellung auf, ohne eine Alternative zur Hand zu haben. Mit 53 Jahren wurde der Musiker, der von Zeitgenossen für sein Orgelspiel und seine Improvisationskunst gerühmt wurde, zum freischaffenden Künstler. Sein schwieriger Charakter und sein angeschlagener Ruf erschwerten ihm zunehmend das Dasein; seine letzten Jahre muss er in großer Armut verbracht haben.
Seine Werke waren lange aus dem Konzertsaal verschwunden. Viele davon galten als verschollen, und einige wurden erst Ende der 90er Jahre wiederentdeckt. Desto erfreulicher ist es, dass schon Anfang der 90er Jahre Hermann Max mit seinen Ensembles Rheinische Kantorei und Das Kleine Konzert sowie hochklassigen Solisten vier Kantaten von Wilhelm Friedemann Bach aus dessen Hallescher Zeit eingespielt hat. Zu hören sind Barbara Schlick, Sopran, Claudia Schubert, Alt, Wilfried Jochens, Tenor und Stephan Schreckenberger, Bass.
Das Label Capriccio macht diese Aufnahmen nun mit einer Doppel-CD wieder zugänglich. Enthalten sind Lasset uns ablegen die Werke der Finsternis zum 1. Advent, Es ist eine Stimme eines Predigers in der Wüste zum Johannistag, Erzittert und fallet zum Ostersonntag sowie Dies ist der Tag, Sinfonia und Kantate zu Pfingsten. Auch wenn der "Hallesche Bach" vielfach als rückwärtsgewandt, kantig und spröde gilt - diese Kantaten sind zwar wuchtig, aber auch erstaunlich empfindsam und für ihre Zeit modern. Insofern lohnt es sich, diese Musik zu entdecken.

Schütz: Ich hebe meine Augen auf (Raumklang)

2011-12-06T21:48:00.000+01:00

Kirchenmusik spiegelte zur Zeit Heinrich Schütz' oftmals konkrete Kirchenräume. Zum einen experimentierten die Musiker damals mit der Mehrchörigkeit, und placierten dazu Sänger und Instrumentalisten auf diversen Emporen oder in Seitenkapellen. Zum anderen fungierten die Mu- siker gewissermaßen als irdisches Abbild der musizierenden Engels- chöre, und der Gottesdienst nahm das Gotteslob in der Ewigkeit vorweg. So fragte sich Michael Praetorius im Vorwort seiner Poly- hymnia 1619, was derjenige im Himmel machen wolle, der keine Lust zur Musik verspüre: "Denn im Himmel muessen wir alle, der Herr so wol alß der Knecht, Musiciren. Und ob es wol nicht ohne, daß wir in der reichen erstattung, zu der Himmlischen Cantorey gnugsamb instruirt und tuechtig gemacht werden: So heist es dennoch, last uns die Kunst lernen auff Erden, die wir im Himmel gebrauchen werden."
Heinrich Schütz, der in Venedig die Mehrchörigkeit erlebt und stu- diert hat, musizierte am Hofe der sächsischen Kurfürsten unter ande- rem in der Schlosskapelle, erbaut im 16. Jahrhundert im Stil von Spätgotik und Renaissance, mit einem Netzgewölbe und einer geräu- migen, umlaufenden Empore. Für diesen Kirchenraum schuf Schütz eine Reihe von Werken, die auf den kontrastreichen Dialog zwischen Favorit- und Kapellchören setzen. Die vorliegende CD gibt einen Eindruck von der Klangpracht dieser üppig besetzten Werke. Sie zeigt aber auch, wie Schütz mit reduzierten Mitteln - der Dreißigjährige Krieg brachte auch in Dresden Sparzwänge - verblüffende Effekte erzielte.
Noch freilich ist die Sanierung der Schlosskapelle, die im Zweiten Weltkrieg zerstört wurde, nicht abgeschlossen. Aus diesem Grunde haben die Mitglieder der Cappella Sagittariana Dresden unter Norbert Schuster diese CD in der Dresdner Lukaskirche eingespielt. Die Aufnahme beeindruckt durch wahre Klangfluten - mir ist das fast ein bisschen viel Getöse; Schütz war auch ein Meister der Kontraste, nicht nur der Vielstimmigkeit.

Barsanti: 6 Concerti Grossi (Dynamic)

2011-12-06T11:31:00.000+01:00

Francesco Barsanti (1690 bis 1772) stammte aus Lucca. Wie viele seiner damaligen Musiker- kollegen, ging er ins Ausland: 1714 reiste er gemeinsam mit Francesco Gemiani nach London, und wirkte dann dort an der italienischen Oper als Flötist und Oboist.
1724 veröffentlichte Barsanti seine ersten Kompositionen, Sonaten für Flöte/Violine und Basso continuo, was ihm einige Aufmerksamkeit und eine Anstellung in Edinburgh einbrachte. Dort schuf er unter anderem seine Concerti grossi op. 3 (1742), seine Ouvertüren op. 4 (1743) und eine Sammlung alter schottischer Volkslieder für Flöte und Basso continuo (1742), die bis heute als eine erstklassige Quelle dieser Melodien gilt.
1743 kehrte Barsanti nach London zurück. Dort hatte er offenbar unter schwierigen wirtschaftlichen Bedingungen zu leiden. Dennoch komponierte er fleißig weiter, unter anderem die Six Concerti Grossi from Giovanni Battista Sammartini's Sonate notturne op. 6, die das Label Dynamic auf dieser CD vorlegt.
Sie wurden 1757 erstmals veröffentlicht, und bedienten den Geschmack des britischen Publikums, das populäre Melodien gern in diversen Varianten und auf den verschiedensten Instrumenten hören wollte. Auch wir können uns heute daran erfreuen, zumal das Ensemble Banchetto Musicale - Il Piacere diese hübsche Musik hier temperamentvoll auf Originalinstrumenten eingespielt hat.

Schubert: Late Masses; Sawallisch (Newton)

2011-12-06T11:06:00.000+01:00

Wolfgang Sawallisch gilt als musi- kalischer Bürokrat. Wer diese Aufnahmen aus dem Jahre 1971 angehört hat, der wird allerdings diesen Ruf nicht bestätigen. Newton Classics legt hier die Messen Nr. 5 in As-Dur D678 und Nr. 6 in Es-Dur D950 von Franz Schubert wieder vor, die seinerzeit für Universal Music aufgenommen worden sind. Das lohnt sich durchaus, denn die 40 Jahre alte Einspielung hat noch immer ihre Reize.
Das mag nicht zuletzt an dem erstklassigen Ensemble liegen - Solisten wie die Sopranistin Helen Donath, Ingeborg Springer, Mezzosopran, Peter Schreier bzw. Hans-Joachim Rotzsch, Tenor und Theo Adam, Bass hört man immer wieder gern. Auch der Rundfunkchor Leipzig und die Staatskapelle Dresden sowie Christoph Albrecht an der Orgel sind immer wieder hörenswert. Sawallisch zeigt an Schuberts Messen weniger die mystischen Bezüge auf als vielmehr das Ringen des Kom- ponisten um Form und Ausdruck, was ja zu vielen ungewöhnlichen musikalischen Lösungen geführt hat. Das macht Schuberts späte Messen zu Solitären, aber auch immer wieder zu einer Herausforde- rung für alle Beteiligten. Diese Aufnahmen aus den 70er Jahren werden dem erstaunlich gut gerecht.

Bach: Kantaten; Thomanerchor Leipzig (Rondeau)

2011-12-05T23:11:00.000+01:00

"Das Kirchenjahr mit Johann Sebastian Bach" lautet das Motto einer neuen CD-Reihe des Thoma- nerchores, die bei dem Leipziger Label Rondeau erscheint. Mittler- weile sind CD Nummer 10 mit den Kantaten BWV 19, 50, 79 und 80 zur Reformation und zum Michae- listag sowie CD Nummer 2 mit den Kantaten BWV 63, 110 und 190 zur Weihnacht erschienen.
Thomaskantor Georg Christoph Biller stellt den Kantaten jeweils einen Hymnus aus dem Florile- gium selectissimorum Hymnorum voran. Diese Motettensammlung entstand aus dem Schulgesang an der Landesschule Pforta bei Naumburg, und wurde von dem Kantor Erhard Bodenschatz (1576 bis 1636) herausgegeben. Das Florilegium Portense war zu Bachs Zeiten an protestantischen Schulen in Nord- und Mitteldeutschland weit verbreitet. Es erschien in mehreren Ausgaben; die hier genutzte stammt aus dem Jahre 1594 und basiert auf den Hymnen des Kompo- nisten Sethus Calvisius (1556 bis 1615). Dieser wirkte von 1582 bis 1594 als Kantor in Schulpforta, und wurde dann als Thomaskantor nach Leipzig berufen.
Die Kombination aus den eher ruhigen, getragenen Hymnen, die schon Bach seinerzeit mit den Thomanern zu Beginn des Gottes- dienstes musiziert hat, und den Kantaten erweist sich als eine gute Idee, die diese CD ungemein bereichert und abrundet - nicht zuletzt weil sie das Flair jener Zeit transportiert, in der Bach seine Kantaten geschaffen hat.
Die Thomaner singen erfreulich; das Gewandhausorchester Leipzig erweist sich einmal mehr als ein Spitzenorchester Europas. Für die Solistenpartien in Tenor und Bass wurden mit Christoph Genz, Martin Petzold, Matthias Weichert und Gotthold Schwarz ehemalige Thoma- ner gewonnen; die Sopransoli hingegen singen die Thomaner Fried- rich Praetorius, Conrad Zuber und Paul Bernewitz. Diese Knaben- soprane singen alle sauber, aber mit einer Technik, die einem schon beim Zuhören Halsschmerzen bereitet. Die eigentliche Entdeckung dieser CD ist Thomaner Stefan Kahle, der einen unglaublich guten Altus singt. Wenn es dem jungen Mann gelingt, sich diese Stimme zu erhalten, dann werden ihm die Bühnen dieser Welt offenstehen. Desto bedauerlicher erscheint es, dass sich im Chor offenbar derzeit weder ein Tenorist noch ein Bassist findet, der in der Lage wäre, ein solches Kantatensolo zu singen.

German Brass - Splendid Christmas (GB)

2011-12-05T10:57:00.000+01:00

Festliche Bläserklänge gehören seit jeher zur Weihnachtszeit. Das ist kein Wunder, denn Pauken und Trompeten sind traditionell die Instrumente, die verkünden, dass derjenige, für den sie erklingen, zu den Mächtigen der Erde gehört. Und was für Kaiser und Könige angebracht ist, das ist auch im Gottesdienst angemessen, meinten die Gläubigen - und ließen zumin- dest Posaunen ertönen.
In den knackigen Arrangements von Enrique Crespo, die German Brass auf dieser CD vorstellt, erklingen Trompeten und Posaunen vereint. Die Musiker nehmen ihre Zuhörer mit auf eine musikalische Reise mit Stationen in Großbritannien, Frankreich und Hollywood - inklusive einem beschwingten Abstecher nach Brasilien. Zum Finale freilich erklingt die berühmte Stille Nacht, ein Klassiker aus Öster- reich. Musiziert wird brillant; Bläser, Pauker und Schlagzeuger haben hörbar Vergnügen an den traditionsreichen Melodien, die hier freilich oft mit einem Augenzwinkern und einer großen Portion Swing zelebriert werden. Eine stimmungsvolle CD, die nicht nur die Fans von German Brass entzücken wird.

Geistliche Musik der Bach Familie (Capriccio)

2011-12-04T20:20:00.000+01:00

Für diese 5-CD-Box hat das Label Capriccio das hauseigene Archiv durchsucht - und darin viel Hörenswertes gefunden. Da wären dann also drei CD mit Aufnahmen, die von der Rheinischen Kantorei und dem Orchester Das Kleine Konzert unter Hermann Max mit diversen Solisten eingespielt worden sind. Hier finden sich Raritäten wie die Osterkantate Gott hat den Herrn auferwecket Wq 244, Heilig Wq 217 für Solo-Alt, zwei vierstimmige Chöre und zwei Orchester sowie die Kantate Anbetung dem Erbarmer Wq 243 von Carl Philipp Emanuel Bach (1714 bis 1788).
Von Johann Ernst Bach (1722 bis 1777) stammt die Motette Meine Seele erhebt den Herrn sowie Das Vertrauen der Christen auf Gott, Eine Ode auf den 77. Psalm für Tenor, Chor und Orchester. Johann Christoph Friedrich Bach (1732 bis 1795) ist vertreten mit Wachet auf, rufet uns die Stimme, einer Motette für vierstimmigen Chor und Basso continuo. Wilhelm Friedemann Bach (1710 bis 1784) schuf Erzittert und fallet, eine Kantate zum Ostersonntag, und Johann Ludwig Bach (1677 bis 1731) Gedenke meiner, mein Gott, eine Motette zu 8 Stimmen und Basso continuo, sowie eine Trauermusik. Der Dresdner Kammerchor sowie das Ensemble La Stagione Frankfurt unter Michael Schneider steuern ein Tantum ergo T 209/7 für vier Solostimmen, Chor und Orchester von Johann Christian Bach (1735 bis 1782) bei.
Motetten und einige Choralsätze sowie die Chorsätze zum Magnificat von Johann Sebastian Bach (1685 bis 1750) singt der Rostocker Motettenchor, begleitet von den Instrumentalsolisten der Capella Fidicina Leipzig; diese Aufnahme dirigierte Hartwig Eschenburg. Die Capella Fidicina Leipzig unter ihrem Leiter Hans Grüss sowie eine Vielzahl von Solisten sind auch zu hören auf einer CD mit Kantaten aus dem Alt-Bachischen Archiv - Ach bleib bei uns, Herr Jesu Christ und Ach wie sehnlich wart' ich der Zeit von Johann Michael Bach (1648 bis 1694), Siehe, wie fein und lieblich ist von Georg Christoph Bach (1642 bis 1697) und Meine Freundin, du bist schön, eine Hochzeitskantate von Johann Christoph Bach (1642 bis 1703). Zwar sind die einzelnen Interpretationen von unterschiedlicher Qualität, doch eine solche Sammlung ist rar und reizvoll - und die Box sei daher hier empfohlen.

Grandi: Vespro della Beata Vergine (Carus)

2011-12-04T18:13:00.000+01:00

Alessandro Grandi (um 1580 bis 1630) gehörte zu Lebzeiten zu den berühmtesten italienischen Kom- ponisten. Seine Werke wurden so häufig nachgedruckt wie die kaum eines anderen Meisters seiner Zeit. Grandi war offenbar sehr experi- mentierfreudig, und begeisterte seine Zeitgenossen durch seinen Ideenreichtum und seine Innova- tionen. So war er der erste, der den Begriff Kantate verwendete.
Über seine Kindheit und Jugend ist nichts bekannt; 1597 wurde Grandi maestro di capella der Accademia della morte in Ferrara. Er wirkte zudem unter anderem als Chorsänger und Vizekapellmeister an San Marco in Venedig. 1627 ging er als Kapellmeister der Basilika Santa Maria Maggiore nach Bergamo. Dort starb er 1630 an der Pest.
Grandi komponierte Messen, Motetten, Psalmvertonungen und Ma- drigale. Sein Werk ist heute weitgehend in Vergessenheit geraten. Das liegt vielleicht nicht zuletzt daran, dass Claudio Monteverdis (voll- ständig überlieferte) prächtige Marienvesper derart populär wurde, weswegen sich wohl kaum noch jemand die Mühe gemacht hat, aus den diversen Sammelbänden ähnliche Werke seiner Zeitgenossen herauszusuchen.
Der Musikwissenschaftler Rudolf Ewerhart hat sich an das Puzzle gewagt, er hat in zeitgenössischen Drucken die passenden Einzelsätze Grandis aufgespürt und zu einer festlichen Marienvesper zusammen- gestellt. Die Gächinger Kantorei und das Bach-Collegium Stuttgart haben dieses Werk unter Matthew Halls im September 2010 zum Musikfest Stuttgart in der dortigen Markuskirche aufgeführt; die vorliegende CD ist ein Live-Mitschnitt dieser Aufführung. Als Solisten singen Deborah York, Sopran, Daniel Taylor, Altus, Ed Lyon, Tenor und Peter Harvey, Bass. Leider will auch bei mehrfachem Anhören der Funke nicht überspringen. Natürlich beeindruckt die Textaus- legung Grandis durch ihre Subtilität, aber was die Stuttgarter daraus machen, das ist überraschend ausdrucksarm - schwäbischer Klang- brei, verblüffend sparsam gewürzt. Tut mir leid, aber diese Aufnahme finde ich einfach nur langweilig.

Adventskonzert im barocken Dom zu Fulda (Querstand)

2011-12-04T17:26:00.000+01:00

Einen Mitschnitt vom Advents- konzert im Hohen Dom zu Fulda aus dem Dezember 2010 steckt das Altenburger Label Querstand allen Freunden der Barockmusik in den Nikolausstiefel. Domkapellmeister Franz-Peter Huber verfügt über gleich zwei leistungsfähige Chöre - den Domchor Fulda mit mehr als 200 Jahren Tradition und den Ju- gendkathedralchor, in dem junge Sänger mitwirken, die bereits durch die Musikalische Früh- erziehung sowie die Singklasse und die Vorklasse für Kinder des ersten und zweiten Schuljahres darauf vorbereitet wurden. Sie beginnen dann in Klasse 3 im C-Chor, üben danach weiter im B-Chor für Kinder ab der 4. Klasse, und werden anschließend in den "großen" A-Chor aufgenommen, in dem Kinder und Jugendliche zwischen 13 und 20 Jahren singen. Insgesamt lernen in diesen Nachwuchsensembles derzeit ca. 450 Schülerinnen und Schüler. Wer die Chöre hier gemeinsam mit dem Barockorchester L'arpa festante gehört hat, der wird zufrieden feststellen: Sie singen gut, auch wenn für das ganz große Konzertprogramm die Kraft dann doch noch nicht ausreicht. Als Solisten wirken mit Sabine Goetz, Sopran, Andreas Pehl, Altus, Hans Jörg Mammel, Tenor und Matthias Horn, Bariton.
Für das Adventskonzert hat Huber das Magnificat in C des Darm- städter Hofkapellmeisters Christoph Graupner (1683 bis 1760) ausgewählt sowie Machet die Tore weit, eine wundervolle Kantate von Georg Philipp Telemann (1681 bis 1767), die dieser 1719 für den Eisenacher Hof geschrieben hat. Beide Werke bewältigen die Fuldaer Ensembles ganz hervorragend - lebendig, ausdrucksstark, wirklich sehr hörenswert. Im Anschluss erklingt der erste Teil von Händels Oratorium Messiah. Das ist ehrgeizig, doch dabei gerät Hubers Sängerschar gleich mehrfach hörbar an ihre Grenzen. Insofern kann die zweite der beiden CD nicht wirklich mit gutem Gewissen empfoh- len werden; die erste aber ist wirklich hörenswert.

Gebel: Christmas Cantatas Vol. 2 (cpo)

2011-12-04T16:36:00.001+01:00

Über den Lebensweg des Rudol- städter Hofkapellmeisters Georg Gebel d.J. (1709 bis 1753) wurde in diesem Blog bereits im vergan- genen Jahr ausführlich berichtet, als hier die erste Veröffentlichung seiner Kantaten zur Weihnachts- zeit vorgestellt wurde. Nun sind bei cpo zwei weitere Kantaten erschienen, die Ludger Rémy mit seinem Ensemble Les Amis de Philippe und den Solisten Veronika Winter, Britta Schwarz, Gesine Ad- ler, Andreas Post und Matthias Vieweg eingespielt hat. Sie sind wahrscheinlich zu Neujahr sowie am ersten Sonntag nach Epiphanias 1748 erstmals in Rudolstadt erklun- gen.
Es sind "klassische" zweiteilige Kantaten, jeweils vor der Predigt und nach der Predigt aufzuführen, mit prächtigen Chören, Rezitativen und Arien, und überaus beredter, stimmungsvoller Musik. Sie werden durch die Musiker und Sänger um Rémy höchst ansprechend präsen- tiert.
Es ist schade, dass die Wiederentdeckung derart qualitätvoller Kom- positionen, die jahrhundertelang im Archiv verborgen lagen, nur mit Hilfe von Sponsoren möglich ist. Es ist aber sehr erfreulich, dass speziell in Thüringen das musikalische Erbe der zahlreichen kleinen Höfe, die sich in dieser Region früher befunden haben, noch immer mit großem Engagement gepflegt wird. Bravi!

Pergolesi: Stabat Mater (Naxos)

2011-12-03T21:37:00.002+01:00

"Dein Brief fand mich just mitten in der Arbeit das Stabat Mater in teutsche reime mit beybehaltung des Rhythmus zu übersetzen; eine RuderknechtsArbeit, wenn's ein Mensch thun müßte", schrieb Christoph Martin Wieland 1779 an Johann Heinrich Merck. Wenige Tage später starb seine achtjährige Tochter Regina Dorothea - ein Verlust, der den Dichter, der am Weimarer Hof als Prinzenerzieher wirkte, schwer getroffen hat. Die Beschäftigung mit der Musik Giovanni Battista Pergolesis (1710 bis 1736), und das Ringen um die adäquate Übertragung des Textes in die deutsche Sprache mögen Wieland getröstet haben.
Es mag verblüffen, doch die vorliegende CD bringt diese Textversion als Welt-Ersteinspielung - und dazu noch ein weiteres Werk nach einem Text Wielands, Der Frühling Wq 237 / H 723 von Carl Philipp Emanuel Bach (1714 bis 1788) sowie Entro le viscere, eine italieni- sche Kantate, die Carl Heinrich Graun (1701 bis 1759) für den preußi- schen Kronprinzen Friedrich komponiert hat. Auch dies sind Welt-Ersteinspielungen - erstaunlich angesichts der hohen musikalischen Qualität beider Werke; die Aufnahmen sind allerdings bereits 2008 entstanden. Es ist bei Naxos nicht die Regel - aber diese CD enthält ein geradezu üppiges Beiheft, und die Texte stammen überwiegend von hochdekorierten akademischen Fachkräften.
Musiziert wird vorbildlich. Es singen Elisabeth Scholl, Sopran - deren Opernattitüde mir in der Graun-Kantate jedoch weit besser gefällt als in der Stabat Mater, - Marcus Ullmann mit einem schönen Tenor sowie Alexander Schneider, der mit einem schlanken, gut geführten Altus beeindruckt. Das Barockorchester L'arpa festante steuert unter Alexander Eberle einen rhetorisch stark akzentuierten, spannungs- vollen Orchesterpart bei.

Bach: Weihnachtsoratorium; Beringer (Winter & Winter)

2011-12-03T17:51:00.000+01:00

Karl-Friedrich Beringer, seit 34 Jahren Leiter des Windsbacher Knabenchores, hat angekündigt, dass er diese Position zum Jahres- ende abgeben wird. Das hat Winter & Winter zum Anlass genommen, sein Wirken mit einer CD-Edition zu würdigen. Ausgewählt hat das Münchner Label dafür eine Auf- nahme des Weihnachtsoratoriums von Johann Sebastian Bach, die 1991 aufgezeichnet wurde.
Neben dem Windsbacher Knabenchor, der sehr ausdrucksstark singt, wirken daran auch die Münchner Bachsolisten mit sowie die Solisten Juliane Banse, Cornelia Kallisch, Markus Schäfer als Evangelist, Robert Swensen, Tenor/Arien, und der in seiner Intensität hier überaus beeindruckende Thomas Quasthoff. Eine ausgesprochen hörenswerte Einspielung, und ein würdiges Abschiedsgeschenk an einen engagierten Musikpädagogen, der Generationen junger Leute für die Musik begeistert hat.

Missa Papae Marcelli - Opus Vocale (Rondeau)

2011-12-03T17:37:00.000+01:00

Im Zuge der Reformation entstand auch eine protestantische Kirchen- musik. Zwar bemühte sich die katholische Kirche, mit dem Konzil von Trient einige der Missstände abzustellen, die zur Spaltung der Kirche geführt hatten. Doch die Reformation war damit nicht mehr zu stoppen.
Zu den Streitpunkten gehörte auch das Musizieren in der Kirche. Die Entwicklung der (katholischen) Kirchenmusik missfiel selbst dem Klerus. So ließ am Karfreitag 1555 der frisch gewählte Papst Marcellus die Sänger seiner Cappella Sistina kommen, und rügte sie scharf, weil ihm die Musik zu festlich für einen Trauertag war. Er forderte von seinen Sängern zudem, sie sollen zukünftig die Musik so vortragen, dass auch ihr Text verständlich sei.
Einer der Sänger, Giovanni Pierluigi da Palestrina, nahm diesen Tadel zum Anlass, die Missa Papae Marcelli zu komponieren. Damit, so be- richtet die Legende, habe der Musiker im übrigen auch die Konzils- väter besänftigt und davon abgehalten, die Kirchenmusik strengen Regeln zu unterwerfen.
Martin Luther forderte, Kirchenmusik habe für jedermann verständ- lich zu sein - und schuf auch gleich beispielhafte neue Kirchenlieder und damit Modelle, denen seine Glaubensgenossen nacheiferten. Doch selbst dort, wo die Vokalmusik wieder komplex wurde - man denke etwa an Bach oder Schütz -, blieb ihr wichtigstes Ziel die Auslegung des jeweiligen Textes, eine Art erweiterte Predigt mit musikalischen Mitteln.
Musiker bewegten sich in jener Zeit oftmals zwischen Reformation und Gegenreformation. Als Lehrer wählten sie sich Vorbilder, die quasi überkonfessionell wirkten. Außerdem wechselten sie mit den Dienstherren häufig auch das Bekenntnis, für das es zu komponieren galt. Aus dieser Tatsache entstand das Konzept für die vorliegende CD: Das Berliner Ensemble Opus Vocale stellt Palestrinas Missa Papae Marcelli neben berühmte Chorsätze protestantischer Provenienz - und der Hörer wird erstaunt feststellen, dass die Differenzen in der Tat gar nicht so groß sind.
Es erklingen Werke von Johannes Eccard (1553 bis 1611), Leonhard Schröter (1532 bis 1601), Michael Praetorius (1571 bis 1621), Hieronymus Praetorius (1560 bis 1629), Samuel Scheidt (1587 bis 1654) - und natürlich muss das berühmte O Jesulein süß auch in dem Chorsatz von Johann Sebastian Bach zelebriert werden, auch wenn das zeitlich ein bisschen aus dem ansonsten gewählten Rahmen fällt. Sämtliche Werke werden a cappella vorgetragen. Der Kammerchor Opus Vocale, geleitet von Volker Hedtfeld, singt perfekt - blitzsauber, immer harmonisch, agil und stilsicher. Eine tolle Aufnahme, die Weihnachtsfreude verbreitet.

Bach: Cantata "Aus der Tiefen" BWV 131 Cantata "Himmelskönig, sei willkommen" BWV 182 (Oehms)

2011-11-30T16:51:00.000+01:00

Die Kantaten, die die Arcis-Voca- listen München unter ihrem Leiter Thomas Gropper gemeinsam mit dem Barockorchester L'arpa festante für diese CD eingespielt haben, hat Johann Sebastian Bach 1707/08 wahrscheinlich für einen Bußgottesdienst in Mühlhausen sowie unmittelbar nach Dienstan- tritt 1714 in Weimar geschaffen. Himmelskönig, sei willkommen entstand nach einem Text von Salomon Franck, Herzoglicher Bibliothekar und Aufseher des Münzkabinetts, zur Feier des Palmsonntags. Aus der Tiefen kombi- niert Psalm 130 und zwei Kirchenliedstrophen. Die Kantaten passen aber durchaus auch in die Vorweihnachtszeit, denn sie zeigen einerseits den Menschen in seinem Vertrauen auf Gott, andererseits heißen sie Jesus Christus willkommen.
Diese CD erinnert in ihrer musikalischen Konzeption an die Aufnah- men des Bach Collegiums Japan unter Masaaki Suzuki. Thomas Gropper hat Ambitionen, die das Barockorchester L'arpa festante durchaus umsetzt; die Arcis-Vocalisten München hingegen sowie die Solisten Regine Jurda, Alt, Maximilian Kiener, Tenor und Franz Schlecht, Bass können ihm da nicht gänzlich folgen. Und man staunt, wie 50 (!) Sängerinnen und Sänger, die großenteils über eine solisti- sche Ausbildung und Konzerterfahrung verfügen sollen, derart schwächeln können. Diese Aufnahme vermag nicht zu begeistern.

Merry Christmas - Bambini di Praga (Supraphon)

2011-11-30T10:39:00.000+01:00

Weihnachtslieder aus aller Welt singen die Bambini di Praga auf dieser CD. Die Aufnahmen stam- men aus dem Jahre 1998. Bei einigen Liedern ist der Chor, der überwiegend aus Mädchen bestand, gemeinsam mit den Männerstimmen des Kühnuv muzský sbor zu hören. Gesungen wird wunderschön. Doch so recht mag man sich daran nicht mehr freuen. Denn dies ist das letzte Album der Bambini di Praga. Der weltberühmte Kinder- und Jugendchor hat sich aufgelöst, nachdem der langjährige Chorleiter Bohumil Kulínský wegen sexuellen Missbrauchs von Minderjährigen zu fünfeinhalb Jahren Haft verurteilt worden ist. Mittlerweile hat er seine Strafe verbüßt, doch der Chor war offenbar nicht mehr zu retten.

The Concerto Köln Christmas Album (Berlin Classics)

2011-11-30T10:13:00.000+01:00

Nun ist es da, das lang erwartete Weihnachtsalbum des Ensembles Concerto Köln. Und es enthält nahezu komplett die barocken Werke, die seit einigen Jahren regelmäßig auf den diversen CD zum Fest erscheinen: Das berühm- te Concerto grosso g-Moll, von Arcangelo Corelli Fatto per la notte di Natale, sowie die Weih- nachtskonzerte von Antonio Vivaldi und Giuseppe Torelli, und natürlich die Sinfonia aus Bachs Weihnachtsoratorium. "Bei diesen Standards haben wir einfach nur versucht, unseren höchst eigenen klanglichen Zugriff zu entwickeln und mit Temperament etwas bei- zusteuern, ohne uns dabei auf den Sockel zu stellen", erläutert Martin Sandhoff, Soloflötist und künstlerischer Leiter des Ensembles.
So gänzlich entsagen freilich können die Kölner der Suche nach ver- gessenen Schätzen nicht; und deshalb ergänzen sie dieses Programm um einige der selten gespielten Noels pour les instruments von Marc-Antoine Charpentier, die Sinfonia pastorale D-Dur von Johann Stamitz, die Sonata natalis C-Dur von Pavel Josef Vejvanovský und das entzückende Konzert für Mandoline, zwei Violinen, Streicher und Basso continuo von Antonio Vivaldi.
Musiziert wird frisch und munter, aber nicht hastig und hektisch. Concerto Köln spielt die bekannten Stücke mit der gleichen Sorgfalt wie die Entdeckungen - beseelt, leichtfüßig und dynamisch differen- ziert. So kommt auch beim Hörer Weihnachtsstimmung auf. Bravi!